De Niki… a Charlotte
Cuando encontré una entrevista de Niki de Saint Phalle de 1965 en la página de Instagram de Juliette Binoche, me impactaron tanto la fuerza de las palabras de la artista como su parecido con Charlotte Le Bon.

Hay similitudes evidentes en sus trayectorias: ambas fueron modelos, poseían una belleza que es un trampolín que atrae encuentros, pero que también puede ser una carga, una cadena.

La gente le decía a Niki: "Si no fueras hermosa, a nadie le importaría lo que haces".

Al igual que Niki, Charlotte es una artista. Pinta y esculpe, y aprovechamos mucho sus habilidades en el set. Creó un lienzo, tal como lo hizo Niki cuando empezaba y no tenía dinero. Sabía cómo usar los pigmentos para crear colores; todo era muy simple.

Charlotte también es, como lo fue Niki, escritora y directora. Sus talentos me acompañaron durante todo el proceso creativo, durante la escritura, en el set y en la edición. Recuerdo haber cambiado la puesta en escena de una secuencia cuando ella aportó una idea mejor que la mía.

Fue realmente poderoso tener su enfoque en el proyecto. La fantasía y el humor son otras dos características compartidas por Niki y Charlotte, así como su doble nacionalidad.

Pero lo que más me impresionó fue la audacia con la que Charlotte enfrentó los desafíos de la encarnación: el "revivir" del trauma, ser aplastada, la vitalidad de la supervivencia, la alegría encontrada en el poder, la infancia que emergía en cada momento en su enfoque, en sus expresiones. No podría haber deseado una mejor compañera.


De Niki Matthews… a Niki de Saint Phalle
Quería que la película contara la historia antes de la historia. ¿Cómo una joven madre de una familia aristocrática se convirtió en una de las artistas más poderosas de un siglo? Quería contar la historia de la dominación: cómo se libera de ella y a qué precio. Una flor creciendo sobre un cadáver.

Entre estas dos fotos, las primeras y las últimas imágenes de Niki, se puede ver de qué trata la película, un viaje a través de casi una década (1952-1961), donde Niki recupera la memoria del incesto que sufrió, luego se levanta de nuevo, revelándose a través del arte. Para mí, es su viaje, como una transmutación, lo que constituye su mayor obra. Una obra que tendrá que repetir a lo largo de su vida. Morir y renacer para sí misma.


De la restricción… a la libertad
Mi sentido de responsabilidad al asumir esta historia fue inmenso. Tenía que hacerlo bien. A medida que me sumergía en El héroe de mil caras, para estudiar las motivaciones detrás de los viajes heroicos, me di cuenta de hasta qué punto Niki tenía una dimensión mitológica. Ella era una verdadera heroína. Descendió al inframundo y regresó con un conocimiento que iluminaría al mundo. Descendiente de una línea de caballeros, la niña que fue renombrada Niki (que significa victoria en griego) realizó su sueño: hacer de su vida un triunfo. Los capítulos y la distancia que fomentan destacan las circunstancias externas e internas del viaje de Niki, sus elecciones y su carácter ejemplar. Las pantallas divididas muestran la dimensión mitológica de su vida: el padre devora a su hijo, el callejón sin salida de Ronsin se convierte en el laberinto donde encuentra su destino. La magia y la metáfora están en el corazón del trabajo de Niki. La película no podía ser naturalista, ni podía ser escrita de forma literal.

No se nos permitió usar el trabajo de Niki, lo cual entiendo completamente. No se puede usar la poesía de otra persona para crear la propia. Esta restricción me permitió identificar de inmediato mi deseo en la narrativa. Estaba interesada en ver la metamorfosis de Niki, y el punto de vista de su obra parecía totalmente apropiado. No se trataba de saber qué podría pensar el espectador sobre las obras en sí, sino de ver a la artista luchar con su creación, de cerca y de manera personal, en su catarsis. Quería que tuviéramos en el set la misma libertad que se gana durante la película, siendo ligeros y rápidos. Quería que trabajáramos como un pequeño equipo, por lo que no había supervisor de guion ni maquillador, excepto en la primera secuencia donde Niki es presentada como modelo, y en la secuencia que muestra a su madre en una actuación. Charlotte usaba maquillaje cuando y como quería, y a menudo no usaba en absoluto. Eso le da una crudeza a la imagen que realmente me gusta.

Me puse en contacto con Victor Seguin porque había visto su trabajo como director de fotografía en Gagarine y Full Time, y había leído una entrevista interesante con él. Pronto me di cuenta de que era un gran trabajador. Le propuse que comenzáramos sin ningún tipo de maquinaria o proyectores, solo con un trípode y una cámara. Quería que pasáramos de un rodaje restringido a la libertad y a más movimiento. De la misma manera en que Niki pasa de la amnesia a la conciencia, de la esclavitud a la rebelión, del confinamiento a la liberación, queríamos pasar del gris a colores brillantes. Todo este trabajo es subliminal en la película, pero la impregna y produce una textura particular. Estábamos decididos a crear una imagen que reflejara la transformación y la riqueza del mundo de Niki. Nos tomamos el tiempo para decidir los colores en los recuerdos, lugares de intensidad y trauma. Victor sugirió que debería haber un color para cada recuerdo. A medida que los colores se vuelven cada vez más prominentes en la película, Niki se convierte en sí misma. Resultó ser una muy buena idea. Pocos días después, me encontré con esto…

Pasaje de Traces (una de las autobiografías de Niki) donde ella describe su sala de estar en Nueva York cuando era niña: todo era verde. El verde de los monstruos de Niki. El rojo de los genitales pintados de las estatuas también necesitaba desbordarse en la imagen, como su rabia por la vida, y así sucesivamente. Victor tuvo la idea de que el formato se asemejara a las fotos que estábamos estudiando para preparar. Yo había hecho un tablero de inspiración y recopilado cientos de imágenes de referencia para las secuencias de la película, que incluían trabajos del fotógrafo Paul Rousteau, quien distorsiona imágenes, haciéndolas plurales. Eso resonó con Victor, y las incorporamos a la gramática de la película. Teníamos un espejo distorsionante, con el cual planeamos contar la historia de la caída en la memoria. Produjo algunas imágenes muy hermosas, pero no funcionó en la edición. La caja de joyas que Victor había recolectado, y el hecho de que Raymond Hains, del equipo de Nouveaux Réalistes, utilizara procesos fotográficos similares, nos dio la oportunidad de usar esta joya que rota diez Nikis en la imagen, actuando como una máquina de fragmentación y evolución.

El trabajo de la diseñadora de producción Rozenn Le Gloahec fue muy importante. La gran cantidad de escenarios y el desafío estético de este baño artístico con un presupuesto de primer filme fueron un verdadero reto. La búsqueda de locaciones fue crucial, y su perseverancia nos salvó. Los escenarios pasaron de ser monocromáticos a cada vez más coloridos, y los recuerdos se trataron en el mismo espíritu: muebles y accesorios verdes en Nueva York, etc. Utilizamos la jaula y el pájaro en cada rincón de la película para dar continuidad a la alegoría.

Marion Moules y Matthieu Camblor, en el vestuario, también tuvieron su parte en trazar este pasaje, la evolución de Niki. Pasaron de la rigidez de los años 50 a cada vez más color y extravagancia. Las primeras pruebas de vestuario de Charlotte fueron abrumadoras, mientras veíamos a Niki cobrar vida. Su trabajo plantó pistas sobre su poesía (al igual que las inspiraciones mencionadas anteriormente). Niki también era el pájaro en la película, enjaulada… las plumas la siguen, la adornan, la materializan. Al final, ella vuela alto.


De sonido… a la música
La música fue clave para materializar el arte en la película. El público no ve las obras de arte, sino que escucha las emociones a medida que la obra se transforma. Nos tomó un tiempo encontrar al compositor. Para One trajo una poesía y un poder inmediatos. Cuando se unió a nosotros, la película estaba lista para la edición y solo estábamos trabajando en el sonido, y, por supuesto, su música desempeñó un papel importante en el impulso de la película. En las primeras piezas que nos envió, ya había capturado la escena final de rodaje y el primer salto a un recuerdo. Pensé que la trompeta podría ser el instrumento principal en la música. Podía escuchar este viaje heroico puntuado por instrumentos de metal susurrando y gritando, triunfantes o elevándose. Para One magnificó esta suposición. Su música está salpicada con los sonidos y el brillo de la infancia, y aporta mucha luz a la película. Lo que más me sorprendió fue la inteligencia de cada uno de mis amigos cercanos y colaboradores, ya que realmente guiaron la película. El cine es inteligencia colectiva en acción. Por ejemplo, debemos la edición alternada de la secuencia final a mi amiga y directora Romane Bohringer, y fue lo único. A veces, son los rechazos los que nos ayudan a avanzar. Recuerdo haber eliminado una pantalla en el hospital después de que un consultor me dijera que las odiaba. Jean Pierre Duret (ingeniero de sonido) y Stéphane Thiébaut (mezclador) fueron cruciales en el trabajo de sonido y en el lugar de la música en la película. No estabas realmente inmerso en el hospital psiquiátrico hasta que ellos estuvieron involucrados.


De inspiración… a escenario
La secuencia de apertura comienza con la palabra "Silencio" y muestra a Niki dividida por la luz, parte de ella sumergida en la oscuridad. Esa parte de ella a la que aún no tiene acceso. Termina con Niki preguntando "¿Estoy libre?". Esa es la pregunta que plantea la película.

El hospital se inspiró mucho en el trabajo fotográfico de Raymond Depardon. Las apuestas eran altas. Teníamos que sumergirnos en el hospital con Niki sin quedarnos allí demasiado tiempo; solo pasó 6 semanas allí, lo cual es tan poco en una vida. Pero esas 6 semanas fueron absolutamente fundamentales.

El Verano de las Serpientes, tal como lo narra Niki, fue la temporada en la que vio dos serpientes entrelazadas mirándola fijamente, coincidiendo con el momento en que su padre la violó. Me sorprendió descubrir que la glándula tiroides que le causaba tanto sufrimiento tenía forma de serpiente, y también al encontrar las dos serpientes entrelazadas como símbolos de la profesión médica. Estas imágenes se han convertido en uno de los grandes motivos de su vida.


Del guión… a la edición
Abordé estas dos etapas con cierto nivel de imprudencia. Cuando le expliqué al guionista que quería escribir la película en tres meses, él me respondió que también le gustaría tener un inodoro de oro sólido, pero que eso no iba a suceder, antes de negarse a embarcarse en la aventura conmigo. Luego, cuando conocí a Samuel Doux, mi coautor, aprendí una lección y estuve más receptiva, menos fuera de lugar. Samuel fue un guía fantástico, ayudándome a reordenar la película en un tiempo cronológico. Me impulsó a avanzar con mi idea de los capítulos. Empecé a escribir porque no podía soltar el diálogo, pero los comentarios de Samuel hicieron que el guion avanzara a toda velocidad. También fue un socio clave para encontrar el lugar adecuado para el incesto en la historia. Trabajé con el corazón abierto tras haber leído a Dorothée Dussy, Murielle Salmona, Christine Angot, Christiane Rochefort, Charlotte Pudlowski y, más recientemente, el trabajo de CIIVISE, Neige Sinno y tantos otros. Crecí atravesando esas noches.

Una vez más, cuando comenzó la fase final de escritura, para la edición, estaba convencida de que encontraríamos rápidamente nuestra película. Nuevamente, aprendí que mis expectativas sobre el tiempo que lleva hacer una película eran poco realistas. Mi editora, Clémence Diard, no quería desilusionarme, pero nos reímos de lo obvio que era y seguimos trabajando. Esa fue la fase más compleja de la producción, junto con la música. Nos tomó mucho tiempo encontrar el ritmo de la película. Lo que más me sorprendió fue que en este punto fue cuando la película realmente empezó a hablar, rechazando ciertas ideas y abrazando otras como si fueran evidentes. Solo habíamos previsto un tiempo de edición relativamente corto, pero, gracias a mis productores, pudimos extenderlo. Sin embargo, Clémence tuvo que irse a trabajar en otro proyecto, Animale de Emma Benestan. Así que terminamos las últimas dos semanas con Alexis Noel, su asistente de edición, quien conocía muy bien la película.


De actriz… a la dirección
Tenía 34 años cuando me di cuenta de que tenía que cambiarlo todo. Mi vida íntima era tan catastrófica que no tenía opción, y esta realización fue uno de los cambios más intensos de mi vida. Fueron esos años de trabajo en mí misma los que me llevaron a permitirme escribir historias. Siempre he sido apasionada por las historias. Seguir historias, interpretarlas, darles vida. Había una dimensión en mi trabajo como actriz que no lograba conquistar del todo, pero ahora, como directora, ya no me lo cuestiono.

Es una extensión y una transformación.

De eso trata la película: la transformación. ¿Cómo te conviertes en TU MISMO? Niki ha escrito mucho sobre su YO, su SER. Siguiendo su estela, aprendí mucho de ella durante los años que trabajé en la película.

Mi experiencia como actriz me ayuda a acceder a posibles socios en la industria. Cuando tuve la idea para el proyecto, envié la presentación a Grégory Weill, mi agente, que también es el agente de Charlotte Le Bon. Su papel fue clave. Concertamos una cita con un productor y, dos semanas después, Jalil Lespert, para quien él también es el agente, lo llamó para decirle que quería hacer una película sobre Niki de Saint Phalle con Charlotte Le Bon, y que estaba en asociación con David Gauquié en Cinéfrance. Cuando Grégory le comentó que yo había tenido la misma idea, se mostró entusiasta; no necesariamente quería escribir o dirigir, pero teníamos que reunirnos. David y Jalil fueron socios de trabajo importantes a lo largo de todo el proceso. Florence Gastaud, quien co-produjo la película, también desempeñó un papel fundamental cuando se unió al proyecto. Tuve la suerte de contar con el apoyo y la orientación de mis productores. Ellos respaldaron mis elecciones artísticas, asumieron riesgos y me dieron el tiempo que necesitaba cuando la película estaba en la edición, y gracias a esta confianza, el proyecto creció y se desarrolló.