Adaptación de la novela de Stephen King, dirigida por Francis Lawrence (Soy leyenda, Los juegos del hambre: En llamas) y protagonizada, entre otros, por David Jonsson, Charlie Plummer, Cooper Hoffman y Mark Hamill.


DECLARACIONES DEL DIRECTOR
Cuando leí por primera vez La larga marcha, de Stephen King, hace más de veinte años, hubo algo en su sencillez -un grupo de jóvenes caminando- que me pareció a la vez aterrador y profundamente humano. A lo largo de los años, seguí recordándolo y pensando en lo que significaría llevar esta historia a la pantalla. Y un día, como si fuera cosa del destino, pasé junto al libro que estaba en una estantería de mi casa y me pregunté qué estaría pasando con la adaptación. Horas más tarde, Roy Lee me llamó de improviso y me preguntó si estaría interesado en dirigirla.

Más que el emocionante concepto de "camina o muere", lo que realmente me ha marcado a lo largo de los años es la camaradería que se desarrolla entre los caminantes. Aunque técnicamente son competidores, no pueden evitar crear vínculos y forjar amistades que parecen sinceras y auténticas. La relación entre Garraty y McVries, en particular, es lo que da a la historia su centro emocional. Es una conexión que revela quiénes son estos personajes bajo presión, y es lo que creo que hará que el público se preocupe profundamente por ellos.

Otro aspecto que me encanta de LA LARGA MARCHA es la intimidad de la historia, que se desarrolla en el contexto de una competición épica. Acompañamos a los chicos en cada paso del camino, compartiendo su agotamiento, su miedo y sus fugaces momentos de esperanza. Es una oportunidad única para hacer una película que resulte épica y personal a la vez, en la que la tensión no solo proviene de lo que está en juego en la caminata, sino también de las relaciones que se desarrollan a lo largo del camino.

Pero más allá de la presunción de la historia, la emoción y los personajes, lo que espero que haga que LA LARGA MARCHA resuene es su significado más profundo como metáfora de la erosión del sueño americano. El estancamiento de los salarios, la inflación, el coste de la vida y otras presiones financieras han hecho que muchos sientan que sus metas se han vuelto inalcanzables y que sus ganancias no tienen sentido. Esta sensación de nihilismo financiero y existencial se puede ver en todo Estados Unidos y en todo el mundo. La larga marcha lleva esta idea al extremo, describiendo un Estados Unidos en el que a la gente no le queda más remedio que arriesgar sus vidas para intentar asegurarse un futuro mejor, pagar un techo bajo el que vivir o poner comida en la mesa. Escrita originalmente en 1967 como alegoría de la guerra de Vietnam, la novela de King parece igual de relevante y oportuna en 2025.

Mi objetivo con esta película es rendir homenaje a lo que hace que la novela de King sea una experiencia tan poderosa: los personajes inolvidables, el ritmo implacable y las incómodas preguntas que plantea sobre quiénes somos y qué valoramos. Quiero que el público salga del cine pensando no solo en lo que ha visto, sino también en el mundo del que forma parte.


POR TODO EL DINERO DEL MUNDO... PARA PROTEGER A TUS SERES QUERIDOS... PARA DEFENDER TUS CREENCIAS... ¿HASTA DÓNDE SERÍAS CAPAZ DE LLEGAR? CAMINA O MUERE
Una aventura llena de intensidad y emociones fuertes, basada en la primera obra maestra de Stephen King, LA LARGA MARCHA trata sobre sacar lo mejor de uno mismo cuando ya no queda nada más que dar. Ambientada en una América de posguerra donde escasea el dinero y mandan los militares, un concurso anual escalofriante cautiva a una nación nerviosa. Cincuenta chicos seleccionados por sorteo participan en una maratón televisada por pura voluntad. Los chicos deben caminar y seguir caminando hasta caer rendidos. Si, por cualquier motivo, o incluso por unos instantes, bajan de un ritmo de 5 kilómetros por hora, reciben una advertencia. Tres advertencias y quedan eliminados. Solo un concursante puede sobrevivir. Pero al ganador se le concede el premio definitivo: riquezas inimaginables y cualquier deseo que desee.

Supervisada por un despiadado comandante, la competición es la máxima expresión del "sálvese quien pueda". Cuando Ray Garraty, un chico de la zona, llega a la línea de salida, conoce tan bien como cualquiera esta realidad desgarradora. Pero a medida que Ray y los demás chicos se adentran en el peligro incesante de la marcha, cada uno por sus propios motivos, entablan una amistad profundamente conmovedora. Con cada paso angustioso, los caminantes se enfrentan a preguntas sobre qué hace que la vida merezca la pena, qué convierte a un extraño en un hermano y de dónde viene la fuerza, mientras forjan vínculos que pueden romperse, pero que nunca se olvidan. Dividido entre su feroz deseo de ganar y el de mantener a salvo a sus amigos, Ray se da cuenta de que su mayor desafío puede ser preocuparse los unos por los otros.

Impulsado por una urgencia que no cesa y una inmersión total en el flujo incesante de la contienda a vida o muerte, el director Francis Lawrence ha imaginado una película única en su género, de movimiento perpetuo. Junto con un vibrante elenco joven y un equipo creativo, da vida a un mundo de resistencia implacable y esperanza desesperada que es un espejo desconcertante de nuestro propio mundo.

Con un compromiso total con la realidad, Lawrence desarrolló una estrategia de rodaje en estricto orden lineal. De esta manera, los actores evolucionarían con los personajes y el público podría ver cómo cambiaban ante sus ojos, cómo sus cuerpos se deterioraban al caminar decenas de kilómetros al día, cómo sus pensamientos se desmoronaban, pero cómo sus espíritus se endurecían.

Lawrence afirma: "Desde el principio teníamos claro que no podíamos andarnos con rodeos a la hora de contar esta intensa historia. Y sabíamos que esta película tenía que ser muy diferente a todas las que habíamos hecho hasta entonces. Porque, cuando suena el disparo y los chicos empiezan a caminar, teníamos que avanzar a 5 km/h con ellos hasta el último paso".


HERMANDAD DESDE LAS RUINAS
Stephen King es uno de los escritores más queridos de todos los tiempos, con una imaginación sin límites detrás de éxitos de ventas internacionales que han inquietado y marcado globalmente. Sin embargo, quizá las adaptaciones cinematográficas más provocativas y aclamadas de sus obras se han aventurado mucho más allá de su famosa maestría en el género de terror. Entre ellas se incluyen Cuenta conmigo, un poderoso recuerdo de la amistad infantil; Cadena Perpetua, una inspiradora historia de supervivencia en prisión, y Misery, un thriller psicológico sobre la obsesión.

Ahora llega la tan esperada adaptación de la primera novela que escribió King. Curiosamente, no tenía nada de sobrenatural. En cambio, era una exploración febril y llena de suspense de lo peor y lo mejor de la naturaleza humana. Escrita con una gran franqueza, la novela de suspense tenía elementos míticos. La competición a vida o muerte de la historia, en la que cada participante luchaba por no "recibir su pasaporte", evocaba la precariedad de la vida, pero también la violencia aleatoria de la guerra, la brutalidad del autoritarismo, la desesperación de la inseguridad financiera y una cultura pop que, en la era de los reality shows, acabaría prosperando gracias a la carnicería y la división.

Pero en esencia había un tema que pronto se convirtió en uno de los más celebrados de King: el poder de la amistad para iluminar la oscuridad. En esta competición despiadada, en la que un calambre momentáneo en la pierna, un malestar estomacal o un agujero en el zapato podían significar el fin, una risa o una historia compartida podían sostener el ánimo.

King comenzó la novela cuando era solo un estudiante universitario de 18 años, LA LARGA MARCHA se publicó más tarde, en 1979, bajo su seudónimo Richard Bachman, cinco años después de que King debutara con el clásico del terror Carrie. Con el tiempo, la novela se ganó un público fiel de lectores que llevaban consigo la edición de bolsillo y, sobre todo, la amistad de Ray Garraty y Pete McVries en sus corazones. En el 2000, fue nombrada uno de los 100 mejores libros para adolescentes por la Asociación Americana de Bibliotecas.

Ya en la década de 1980 se hablaba de una película. Los diálogos chispeantes, los riesgos mortales altísimos y la mezcla de imágenes impactantes y conmovedoras eran un imán. Pero trasladar el ritmo de la novela y la narración en primera persona a la pantalla resultó ser una tarea abrumadora. Aun así, seguía habiendo esperanza de que el proyecto encontrara algún día a su pareja creativa ideal. Esto ocurrió cuando Francis Lawrence, famoso por la elaborada e imaginativa construcción del mundo de Los juegos del hambre: En llamas y las posteriores Sinsajo: Parte I y Parte II, se unió al proyecto, junto con los productores Roy Lee, Steven Schneider y Cameron MacConomy.

Lawrence se lanzó con una idea sin precedentes: crear una película 100 % en movimiento basada en un impulso hacia adelante que solo se detiene en el fotograma final. Imaginó una cámara que se desplazaba sin descanso siguiendo a un reparto que caminaba kilómetros en tiempo real, mientras el público experimentaba directamente sus momentos más desgarradores e inspiradores. Este mundo estaría profundamente despojado, reducido a las imágenes, los sonidos y los sentimientos más primitivos de la vida.

Años antes, Lawrence descubrió la novela mientras dirigía la épica Soy leyenda y se enamoró de su oscuridad y su luz. Por desgracia, los derechos cinematográficos no estaban disponibles en ese momento. Le entregó el libro a uno de sus hijos, para quien se convirtió en uno de sus favoritos. Entonces, de repente, el libro volvió a aparecer en su vida.

"Un día, hace unos dos años, estaba caminando por el pasillo de mi casa y vi el libro en la estantería de mi hijo. Pensé: "Hace mucho tiempo que no oigo hablar de LA LARGA MARCHA ". Y ese mismo día recibí una llamada del productor Roy Lee que me decía: "Oye, ¿te interesaría hacer LA LARGA MARCHA?". Fue muy extraño, porque llevaba mucho tiempo formando parte de mi vida, me encantaba el libro y, de repente, tuve ese día mágico en el que lo volví a ver, pensé en él y Roy me llamó".

Lee, productor y fundador de Vertigo Entertainment, es conocido principalmente por adaptar populares películas de terror asiáticas para el público estadounidense. Gran admirador de toda la obra de King, fue productor de It en 2017 y está produciendo la próxima adaptación de Cujo. Pero la novela de King siempre ha ocupado un lugar especial en su corazón. "Leí el libro en el instituto", cuenta Lee, "y me encantó. Entonces recibí una llamada del agente de Stephen para adaptar La Larga Marcha. Sabía que se había intentado varias veces en las últimas dos décadas, pero, por supuesto, quería intentarlo".

Lee pensó inmediatamente en Lawrence, con quien había estado trabajando en una adaptación cinematográfica del videojuego Bioshock. "Me ha impresionado mucho toda su obra", afirma Lee. "Empezamos a hablar y me contó que esta novela era el libro favorito de su hijo y lo mucho que le apetecía hacerla. A partir de ahí, todo encajó de forma natural".

Poco después, los cineastas contrataron al guionista JT Mollner (Strange Darling) para que se encargara de la adaptación. Le hicieron una gran petición: ¿podría mantener una fidelidad absoluta al espíritu inquebrantable del libro y, al mismo tiempo, reimaginarlo para la pantalla? ¿Podría convertir un largo y letal paseo por una carretera desolada en una variación visualmente hipnótica de una persecución iluminada por momentos de transformación interior y vínculos auténticos?

Para Mollner, su conexión con la obra de Stephen King se remontaba a décadas atrás. "Creo que tenía siete años cuando leí mi primera novela para adultos de principio a fin. Creo que estaba en Primaria y me llevó como seis meses leer una novela de 200 páginas. Esa novela era Carrie. Ese libro fue mi puerta de entrada para convertirme en un lector constante. He leído casi todo lo que ha escrito King".

Esa temprana pasión por King moldeó la forma de escribir de Mollner. "He escrito prosa y me gano la vida principalmente como guionista", explica. "Gran parte de mi voz se vio influida por Stephen King durante mi infancia, no solo cuando adapto alguna de sus obras".

Cuando le llegó el proyecto, Mollner estaba pasando de una etapa creativa a otra. "Acababa de terminar de dirigir Strange Darling y sabía que necesitaba recargar pilas", afirma. "Le dije a Roy que quería escribir algo para otra persona. Unos días más tarde, me preguntó si quería escribir LA LARGA MARCHA".

"JT es un gran admirador de Stephen King y había leído LA LARGA MARCHA muchas veces antes de que nos pusiéramos en contacto con él. Pero lo más importante es que JT no es solo escritor. También es director, y sabíamos que este guion necesitaba un enfoque muy visual", explica MacConomy. "Cuando tienes una historia en la que la gente está caminando todo el tiempo, el peligro es que pueda parecer repetitiva, pero JT tenía los conocimientos visuales necesarios para crear una tensión dinámica en cada momento".

Lee le transmitió a Mollner la única condición de Stephen King. "La inusual condición que puso Stephen era que la película tenía que ser para mayores de 18 años y tenía que ser tan brutal como el libro", explica el productor.

Mollner afirma: "Soy de esos que suelen adorar el libro y odiar la película, así que en este caso tenemos que encontrar la manera de ser muy, muy fieles al ADN de la historia. Lo que la hace especial es ese toque de nihilismo, pero con un pequeño atisbo de esperanza, esa extraña amalgama de cosas que Stephen King obviamente sentía cuando era joven. Esa desilusión con Estados Unidos y su creación de una versión hiperbólica del mismo".

En estrecha colaboración con Lawrence, Mollner compactó los personajes e introdujo algunos cambios narrativos sorprendentes. Pero mantuvo la crudeza de King en primer plano, centrándose en lo que experimentan los concursantes, lo que temen, cómo sufren y las impactantes formas en que cada uno recibe su pasaporte. Al negar cualquier escapatoria o consuelo a los chicos, el guion solo consiguió que el amor, la hermandad y la pasión por la vida que surgen fueran aún más reveladores. "Fue una gran colaboración", dice Lawrence. "JT y yo nos interesamos mucho por el problema de cómo convertir una historia que es principalmente diálogo en algo verdaderamente cinematográfico".

Mollner se hace eco de ese sentimiento y elogia a su director: "Fue una experiencia fantástica porque Francis Lawrence es un director con todo tipo de conocimientos, habilidades y talento, pero sin ego".

"Francis realmente quería hacer una película centrada en los personajes, y eso también era importante para mí", afirma Mollner. Lawrence y Mollner también desligaron la historia del tiempo, situándola en un periodo indeterminado 19 años después de una guerra que lo cambió todo, fusionando la sordidez de la época de la Depresión con destellos de tecnología moderna. Es una América que resulta escalofriantemente familiar, incluso nostálgica, en sus contornos, pero donde el sueño americano se ha desvanecido claramente, no ha desaparecido, pero está fuera del alcance de todos excepto de unos pocos ricos... o extremadamente afortunados. En este contexto, algunos han llegado a creer que cualquier precio, incluso la propia vida, vale la pena por un futuro mejor.

"No se puede determinar con exactitud en qué época se desarrolla la historia, pero tiene un aire gótico americano que la hace atemporal", afirma Lawrence. "Han pasado dos décadas desde una guerra terrible, quizá una guerra civil, y el país se encuentra ahora sumido en una grave depresión financiera. La gente está desesperada y esa es la razón por la que tantos están dispuestos a participar en este juego. Dicho esto, no queríamos perdernos demasiado en los detalles del gobierno, porque nuestro enfoque se centra exclusivamente en estos jóvenes, sus relaciones y su viaje emocional".

Un reparto perspicaz resultó esencial para el concepto. Lee afirma: "Francis tomó una decisión increíble. Vio en cada uno de estos actores algo que nadie más habría visto hasta que se metieron en el personaje".

Los cineastas seleccionaron cuidadosamente a un grupo de jóvenes rebosantes de energía y resistencia, pero también con ganas de profundizar. Lawrence buscó actores con el valor de sus convicciones, dispuestos a seguir sus instintos. Le pidió a cada uno que desarrollara sus propias ideas personales sobre las creencias y los puntos ciegos de su personaje, sobre cómo se visten, hablan, caminan, sueñan y planean sobrevivir. Al principio, una animada lectura del guion con todo el reparto marcó la pauta. Al igual que los participantes en la caminata, comenzaron el día como desconocidos cautelosos y nerviosos, y terminaron convirtiéndose en compañeros más cercanos.

MacConomy reflexiona: "Cuando juntas a una docena de chicos de veintipocos años, es normal que se burlen unos de otros, hagan bromas y se empujen, y eso es lo que pasó. Pero Francis lo aprovechó para hacer que las relaciones en la película fueran aún más auténticas. Durante la lectura del guion, pudimos captar las diferentes dinámicas entre los actores y decir: "¿No sería interesante si hiciéramos esto o aquello con estos dos?". Eso añadió nuevas capas incluso antes de la intensidad de la producción".

Una vez en el rodaje, fue una prueba de fuego. Caminando hasta 16 kilómetros cada día, enfrentándose a sus propias dudas y forjando sus propios lazos, el reparto se encontró fusionándose con las luchas y los vínculos de sus personajes. MacConomy continúa: "Durante todo el proceso, el ambiente en el rodaje reflejaba la historia. Rodamos todo en orden cronológico, lo que significaba que empezamos con 50 chicos en un ambiente animado y divertido, todos conociéndose entre sí, pero pronto tuvieron que empezar a despedirse unos de otros".


RAY GARRATY & PETE MCVRIES
LA LARGA MARCHA arranca como un tiro cuando Ray Garraty, el único participante local en la marcha, llega a la línea de salida tratando de calmar a su angustiada madre, que sabe que solo un participante puede escapar de lo inevitable. Garraty tiene un rostro infantil que contradice su fuerza de acero y un pasado oculto que lo motiva tanto como a cualquiera de los que lo acompañan en el camino. Aunque impulsado por pensamientos de venganza que lo mantienen avanzando a pesar de la angustia y la consternación, también tiene una decencia conmovedora que solo crece a medida que cambian las probabilidades.

En los primeros angustiosos kilómetros de la marcha, Ray entabla una relación con Peter McVries, otro caminante duro y astuto que Ray identifica como uno de los más propensos a ganar. Deberían ser adversarios, pero en cambio se estimulan mutuamente más allá de toda esperanza, y sus bromas ingeniosas pronto se convierten en una alianza sincera.

"La amistad entre Garraty y McVries es el corazón palpitante de la historia", afirma Lawrence. "Son dos personas muy diferentes, con motivos muy distintos para participar en la marcha. Pero eso es precisamente lo que hace que su relación sea tan intrigante. Existen conflictos en su forma de ver el mundo, pero aprenden el uno del otro y se convierten en verdaderos hermanos".

Cooper Hoffman, que a los 17 años se llevó el papel protagonista de la aclamada Licorice Pizza, de Paul Thomas Anderson, encarna a Ray con una energía cruda y conmovedora. "Me sentí muy conectado con Ray", dice Hoffman sobre su atracción por un papel que sabía que sería el más exigente física y emocionalmente de todos los que había interpretado. "Es una historia emocionante con mucha acción, pero también me pareció una hermosa historia de amor platónico. Es una historia de amor en el sentido de que estos chicos llegan a luchar realmente el uno por el otro".

Lawrence estaba especialmente emocionado por trabajar con Hoffman en esta etapa de su prometedora carrera. "Trabajé con su padre en las películas de Los juegos del hambre", señala. "Y en Licorice Pizza, me pareció que tenía mucho talento, era sensato y auténtico. Cuando hizo la prueba para el papel de Ray, sentí al instante que era Garraty".

MacConomy reflexiona: "Cooper es sociable y afable. Eso es exactamente lo que se necesitaba para que el público se creyera por completo a este personaje que los lleva a través de todo el viaje".

Hoffman tenía su propia visión del concurso: como una metáfora de la vida misma. "Vi la caminata como una simulación intensificada de lo que todos vivimos", reflexiona. "Al nacer, comienzas tu propio largo camino y, a medida que avanzas, haces buenos amigos y te esfuerzas por mantener a tus seres queridos lo más cerca posible. Intentas no dejarlos ir nunca. Pero, al final, el largo camino termina para todos. Es la condición humana".

Lo que se le pedía a Hoffman y sus compañeros de reparto era llegar a esa humanidad, despojarse de la bravuconería juvenil de sus personajes y exponer todas las emociones descontroladas, las esperanzas inciertas y la sed de vida que afloran cuando la muerte te pisa los talones. Hoffman explica: "Sabíamos que Francis crearía un mundo totalmente inmersivo y el más alto nivel de acción. Pero lo único que podía hacer que todo funcionara era la honestidad de los personajes. Dependía de nosotros mostrar a unos jóvenes de 18
años llevados al límite, reflexionando sobre todas las cosas de la vida en las que han creído desde que nacieron hasta ahora".

Para Hoffman, la exigencia física del papel no solo supuso una descarga de adrenalina, sino también una experiencia interpretativa sin igual. "No creo que haya habido antes ninguna película como esta, en la que los actores no paran de moverse. Fue un proceso difícil", admite, "pero muy emocionante formar parte de él".

A pesar de todo lo que Ray tiene que soportar solo para llegar al siguiente amanecer, Hoffman también aprovechó el agudo sentido del humor del personaje. "Lo consideré como ese tipo de humor que tienes cuando estás en un funeral, has bebido demasiado y no puedes evitar empezar a reírte", describe. "Pero creo que también se trata de que, si pierdes el sentido del humor en esta vida, lo has perdido todo".

Hoffman señala que una gran motivación para seguir profundizando en el interior de Ray fue estar rodeado de compañeros con talento, cada uno de los cuales se esforzaba al máximo de sus capacidades. "Trabajar con estos chicos lo era todo", afirma. "Nuestras relaciones hicieron posible la película, y terminé sintiendo un verdadero cariño por ellos".

Él atribuye a la orientación que dio Lawrence, y al instinto del director para saber cuándo dejar actuar a los actores sin interferir, el haber logrado unir al grupo. "Lawrence es un director muy inteligente, lo que fue muy importante en esta película", reflexiona Hoffman. "Desde el principio creó un ambiente abierto, creativo y colaborativo. Francis aceptó la imprevisibilidad. Como no podíamos controlar el tiempo, la luz o cómo sucedían ciertas cosas, se trataba de aprovechar al máximo cada momento. Realmente nos dejó vivir dentro de nuestros personajes".

Para interpretar al mundano y resiliente Peter, los cineastas recurrieron a otra estrella en rápido ascenso: David Jonsson, conocido por sus papeles revelación en Industry y Alien: Romulus, de HBO, y ganador del prestigioso premio BAFTA a estrella emergente en 2025. "La audición de David me dejó boquiabierto", recuerda Lawrence. "Había algo tan acertado en su interpretación de McVries que de repente supe que toda la película iba a funcionar".

Jonsson se sintió inmediatamente atraído por el "optimismo contagioso y la rara capacidad de ver el panorama general de Peter", afirma. "Y lo que realmente me interesó es que Pete tiene todo eso a pesar de venir de un pasado difícil. Descubrir su personalidad y cómo ha mantenido su fe fue como encontrar alegría en este mundo oscuro. Y fue emocionante explorar la increíble hermandad que descubre con Ray".

Peter también tiene sus defectos, señala Jonsson. "Si pulsas los botones adecuados en Pete, no sabes lo que vas a obtener. A veces puede ser un poco como un rottweiler, un rottweiler encadenado, y me pareció una cualidad igualmente interesante para explorar".

Jonsson, fan de Stephen King desde hace mucho tiempo, estaba deseando responder a la tentadora invitación de Lawrence para aportar sus propias ideas al personaje. "Llegué a esto con muchas ideas sobre cómo es Pete porque quería hacer justicia a este gran personaje", relata Jonsson. "Y Francis se mostró receptivo a todo lo que sugerí. Siempre me hizo sentir escuchado como actor".

Esas ideas siguieron ampliándose a medida que Jonsson y Hoffman improvisaban juntos como lo hacen los amigos de la infancia, con una mezcla de arrogancia, ingenio y destellos de fragilidad. "No podría haber creado a Pete sin que Cooper creara a Ray de la increíble manera en que lo hizo", reflexiona Jonsson. "Cooper es el actor más curioso y abierto. Absorbía todo lo que yo hacía y me devolvía la pelota de manera emocionante."

Hoffman supo que la relación con Jonsson iba a ser algo especial desde sus primeras escenas juntos, cuando Peter acoge a Ray bajo su protección. "David lo interpretó de una manera muy genuina, tratando de que Ray dejara de pensar en dejar a su madre, y lo hizo con mucha empatía y compasión. David es muy desinteresado y eso se nota en Pete", comenta Hoffman.

Para Jonsson, todo el conjunto acabó pareciéndole un sistema de apoyo integrado. "Eran un grupo de chicos estupendos y nos convertimos en un equipo unido", describe. "Creo que todos sentíamos la misma necesidad de darlo todo por esta historia y nos sentíamos afortunados de tenernos los unos a los otros".

También se sintieron bendecidos por la insistencia inflexible de Lawrence en hacer que los momentos más desgarradores fueran fieles a la realidad. "Francis se negó a ocultar nada", dice Jonsson con admiración. "Y eso es lo que más te gusta como actor, cuando tienes esa sensación de verdad absoluta".

Lee señala que esto le da a la acción una calidad épica que se vuelve electrizante en la pantalla de cine. "Es el tipo de historia en la que quieres estar completamente absorto y sin distracciones, y esa es la experiencia que se vive en el cine", resume.


LOS CONCURSANTES
Al igual que Ray y Pete, cada concursante lleva a la línea de salida los fantasmas de su propio pasado, sus propios daños y sus propias razones para creer que él podría ser el que perseverara hasta el final. Entre ellos se encuentra el arrogante e irreverentemente divertido Hank Olsen, interpretado por Ben Wang, que saltó a la fama en Chang machaca, de Disney, y que recientemente ha aparecido en Karate Kid: Legends.

Hank comienza la caminata como un bocazas luchador, siempre dispuesto a soltar alguna ocurrencia, pero a medida que avanza la caminata se vuelve más introvertido, dejando al descubierto las incertidumbres que se esconden bajo su actitud arrogante. Para Wang, Hank es solo un joven que oculta sus inseguridades y aún está descubriendo quién es, pero eso es lo que hace que lo que soporta sea tan intrigante. "Lo que me encanta de LA LARGA MARCHA es que puedes ver a chicos normales enfrentándose a circunstancias extraordinarias", afirma.

Wang intentó ponerse en el lugar de Hank y pudo comprender por qué él y los demás acababan dependiendo unos de otros, a pesar de saber, sin lugar a dudas, que su supervivencia individual dependía de que el tipo que tenían al lado se derrumbara. "No sé lo que es estar en una marcha de la muerte sádica en la vida real", dice. "Pero he leído sobre este tipo de experiencias. Y cuando grupos de personas tienen que soportar juntas algo en lo que la supervivencia no está garantizada, se crean vínculos muy fuertes. Los seres humanos somos criaturas sociales. Aunque las reglas digan que todos deben estar unos contra otros, siempre existe esa necesidad humana de hacer amigos. E incluso si tu mente lógica te dice que estas personas podrían acabar convirtiéndose en tus enemigos, no puedes evitar encontrar lo que tenéis en común".

Los matices humorísticos de Hank le llegaron incluso mientras leía el guion. "Las palabras eran tan específicas que el personaje de Hank se me reveló por sí solo", recuerda. "Más tarde, JT me preguntó: "¿De dónde sacaste esa personalidad y esa voz que elegiste?". Y yo solo pude responder que surgieron de lo que tú escribiste. Lo leí, lo sentí, y la única forma que se me ocurrió de hacerlo con sinceridad es la que ves".

Lawrence recuerda que Wang arrasó en la audición. Durante el casting, tenían problemas para encontrar a alguien que encarnara de forma natural a Hank Olsen. "Entonces, de repente, apareció Ben", recuerda el director. "Y es increíble ver a un actor que entiende tan bien a un personaje. Sobre todo, captó el humor de Hank. Ben le dio a Hank un carisma muy travieso e irreverente que te atrapa desde el momento en que lo conoces".

En cuanto a lo que significaban para él sus compañeros de reparto, Wang afirma: "No se puede hacer algo así sin crear fuertes lazos con todos los involucrados. Todos íbamos descubriendo cómo hacerlo sobre la marcha, porque estábamos inventando cómo rodar una película en la que 50 personas caminaban cada día. Así que fue una gran experiencia de aprendizaje, tanto como actor como persona. Al estar en movimiento todos los días de la producción, tuvimos el espacio para desarrollar la humanidad de nuestros personajes, y eso solo profundizó nuestras interacciones".

Otro superviviente tenaz es el inquebrantablemente positivo sureño Art Baker, interpretado por el recién llegado Tut Nyuot, que recientemente debutó en el cine con The Witcher: El origen de la sangre. Nyuot recuerda haberse sorprendido por el grado en que Lawrence animaba a cada actor a incorporar sus propias ideas e imaginación a sus personajes. "El control creativo que Lawrence nos dio es algo poco habitual", señala. "Poder aportar mi propia historia y mis pensamientos sobre Art lo hizo muy real para mí".

A su vez, Lawrence dice de Nyuot: "Hizo que Art Baker fuera divertido, simpático y real. Tut tiene una energía muy juvenil y optimista que aporta al personaje y que te hace encariñarte con él inmediatamente. Y para alguien tan nuevo en esto de la actuación, su dominio del dialecto era increíble".

A Nyuot le encantó conectar con tantos otros actores que acababan de iniciar sus carreras. "Son todos geniales", dice sobre sus compañeros de reparto. "Entré sabiendo que el rodaje iba a ser duro, y lo fue, porque estábamos constantemente en movimiento. Pero tenía la mentalidad de aprender todo lo posible de cada persona que estaba allí y tratar de estar siempre plenamente presente. Aprendí mucho de mis conversaciones con ellos y de verlos descubrir a sus personajes".

Siempre en la retaguardia está el cauteloso y sarcástico Stebbins, que se mantiene al margen por razones que finalmente saldrán a la luz. El papel lo interpreta Garrett Wareing, al que recientemente hemos visto en Nueva vida en Ransom Canyon, de Netflix. A Wareing le resultó difícil resistirse a este personaje tan fríamente alienado. "Me atrajo mucho ese aire de lobo solitario que tiene Stebbins", relata. "Me interesó un personaje que se abre camino a la fuerza, pero que prefiere mantenerse al margen. Todos los demás se preguntan: ¿Quién es este tipo? ¿Qué está haciendo? ¿Por qué está aquí?".

Stebbins puede acabar siendo alguien diferente de lo que parece, pero él también es un trágico producto del brutal sistema perpetuado por el comandante. Para Wareing, Stebbins anhela una cosa más que ninguna otra: compañía. Pero la rechaza "por razones que probablemente no te esperarías", explica Wareing. "No creo que se sienta impulsado a golpear a los otros chicos como algunos de los demás. Y no creo que quiera que los otros chicos sufran. Stebbins se retrae principalmente porque tiene un miedo real a cualquier tipo de vínculo humano".

Lawrence afirma: "Stebbins es un misterio, pero, en última instancia, hay una profunda vulnerabilidad en quién es, cuáles son sus secretos y cómo se ve a sí mismo, y Garrett hizo un trabajo increíble con eso".

Entre los concursantes más misteriosos se encuentra el taciturno y temperamental Barkovitch, que quiere caer bien, pero toma una decisión devastadora al principio, manchando su conciencia. Charlie Plummer, que saltó a la fama con sus papeles en Todo el dinero del mundo, Lean On Pete y, más recientemente, en National Anthem, se sumergió de lleno en el papel, fascinado por quién desearía ser Barkovitch.

"Para mí fue muy revelador darme cuenta de que, para Barkovitch, la caminata es el mejor momento que ha pasado en su vida con chicos de su misma edad", explica Plummer. "En el fondo, creo que Barkovitch solo quiere tener la experiencia de tener amigos. Hay casi una especie de euforia en él, ya que, aunque pueda estar caminando hacia su muerte, tiene la oportunidad de disfrutar de una camaradería que nunca antes había tenido en su vida".

Plummer continúa diciendo: "Llegué a ver que la ira y la confusión interior de Barkovitch provenían más de un sentimiento de odio hacia sí mismo que de un deseo genuino de hacer daño a los demás. Esta revelación me permitió comprender quién era realmente este chico.

Acabé sintiendo un profundo afecto por él y una increíble empatía por su viaje. Porque detrás de su agresividad y antagonismo solo hay un chico triste y frágil".

"Fue muy divertido trabajar con Charlie en este papel", afirma Lawrence, "porque no solo es un actor magnífico, sino que también es uno de esos actores capaces de transformarse en alguien completamente diferente a sí mismo. Barkovitch es uno de los personajes más desquiciados de la historia. Y Charlie, desde luego, no lo está. Es un tipo muy simpático, pero fue capaz de comprender realmente por qué Barkovitch es como es".

El simpático Curly, el concursante más joven que lucha desde el principio, cobra vida de manera inolvidable gracias a Roman Griffin Davis, que saltó al estrellato con el papel protagonista de la película ganadora del Óscar Jojo Rabbit. Su compañero de reparto Joshua Odjick recuerda su inolvidable escena: "Parecía tan real. Roman hizo una interpretación maravillosa que nos inspiró mucho y también nos sorprendió".

Davis sintió una empatía inmediata por Curly, cuya estancia conmueve a todos los demás concursantes. "Solo tiene 15 años y mintió sobre su edad para poder participar en la caminata. Tiene esa gran necesidad de que todo sea justo, lo que creo que tiene mucho que ver con su juventud". La justicia no está en las cartas para Curly, pero Davis reflexiona que "quizás Curly sea en realidad más afortunado que algunos de los demás"

Para Davis, existe la esperanza de que Curly permanezca en la imaginación del público. "Es una película muy atrevida", dice, "y creo que en el futuro me alegraré de poder decirles a mis hijos que formé parte de ella".

Jordan Gonzalez, que interpreta a Ash Romero en Pequeñas mentirosas: Pecado original, da vida a Richard Harkness, que aspira a escribir un libro sobre la caminata tras ganar el premio con el que se lo lleva todo.

González ya era fan de la novela. "Siempre me ha encantado la historia de LA LARGA MARCHA y los géneros de terror distópico en general. Sabía que con la combinación de JT y Francis iba a surgir algo realmente especial", afirma.

Desde el principio, llamó cariñosamente a su personaje "Harky" y lo describió como "todo corazón, mezclado con un poco de ingenuidad y un gran sueño de escribir una novela sobre la caminata. Como cualquier chico de 18 años, no comprende del todo el peso de sus decisiones ni que las probabilidades están en su contra y que su libro no sobrevivirá. Es un observador que pasa la mayor parte del tiempo asegurándose de que lo tiene todo anotado en su diario azul marino. Pero una vez que se le da la oportunidad de interactuar con los demás, su entusiasmo por la amistad, la hermandad y la camaradería se apodera de él sin darse cuenta y parece que no puede dejar de hablar".

El resto del reparto hizo que esa chispa que Harkness encuentra completamente real. "Era un hermoso conjunto de chicos extremadamente talentosos que cuidaban mucho sus personajes", comenta González. "Y trabajar con Mark Hamill, que es una leyenda absoluta y la persona más amable, en mi primera película fue un honor increíble. Es algo que nunca olvidaré".

Tampoco olvidará nunca haber sido dirigido por Lawrence. "Trabajar con Francis fue un sueño hecho realidad. Siempre he admirado sus películas y, en persona, es aún más amable de lo que podía imaginar. El realismo con el que rodó la película nos permitió sentir desde el principio el peso que estos chicos tienen que soportar y retratar de forma natural su deterioro físico y psicológico. Desde el primer día, fue algo muy personal para todos nosotros, y creo que eso se nota cuando ves la película. La angustia es palpable".

González resume: "LAR LARGA MARCHA no se anda con rodeos, es tan brutalmente desgarradora y angustiante como sincera y esclarecedora. Creo que dejará al público pensando bastante y necesitando un segundo para recuperar el aliento. Es una película que hay que ver en el cine, porque la banda sonora, el ritmo y la cinematografía son algo que hay que experimentar en esas butacas".

Completa el reparto principal Joshua Odjick, que se ganó el reconocimiento del público en la película romántica sobre la mayoría de edad Wildhood y en la miniserie Little Bird, los niños robados, en el papel del imponente y malhablado Collie Parker, otro de los protagonistas impulsado por una rebeldía interior contra sus circunstancias. "Creo que lo que motivó inicialmente a Collie a participar en la marcha fue el deseo de escapar de su propia vida", observa Odjick. "Tuvo una infancia difícil y vio la marcha como su única oportunidad de conseguir todo lo que siempre había deseado. Pero lo que me conmovió es la forma en que cambia. Empieza como un outsider, pero a medida que camina, comienza a sanar esa parte de sí mismo".

Esa curación se produce en parte gracias a la relación que Collie va entablando con Pete. "Collie y Pete comparten momentos muy especiales", relata Odjick. "Y hay que felicitar a David, porque era muy fácil conectar con él y alimentarse de su gran energía".

Al igual que Collie se acerca inesperadamente a los demás, Odjick valora cada vez más su relación con el resto del reparto. "Los profundos lazos que se ven crecer entre nosotros eran reales", revela. Esas conexiones genuinas hicieron que las escenas en las que sus hermanos sucumben a las necesidades humanas más básicas fueran mucho más conmovedoras. "Algunos momentos que rodamos parecían increíblemente reales", recuerda Odjick con asombro. "Y esa fue la genialidad de cómo Francis rodó la película".

La forma en que Odjick contrastó el lenguaje corporal asertivo de Collie con su profundidad interior impresionó a Lawrence. "Collie tiene un carácter tranquilo y estoico, y Josh sacó a relucir toda su fuerza interior", afirma el director.

En un momento de unión trascendental, los chicos se unen en una interpretación espontánea a capela de la clásica balada folk occidental "Oh, My Darling Clementine". La escena dejó una profunda huella en Odjick. "Recuerdo estar muy inmerso en ese momento sensorial", recuerda. "Collie está al borde del colapso, ya que todo lo que ha pasado finalmente le afecta. Básicamente, se está desvinculando de todas las cosas terribles que ha visto y empieza a cantar con la esperanza de mantener la moral entre los supervivientes".

Lawrence resume: "Nuestro fantástico reparto sacó a relucir cada una de estas personalidades distintivas, al tiempo que demostraban su propia determinación y resistencia. Todos lo dieron todo cada día. Se requería mucha disciplina, sabiendo que cada vez que hacíamos una toma, tenían que caminar tres cuartos de milla y había poco margen para el error. Tenían que conocer realmente a sus personajes y dejar que eso los guiara en el camino".


EL COMANDANTE & LA MADRE
El fundador de esta competición televisada y temible ejecutor de sus códigos, el Comandante, es una figura descomunal que se cierne sobre el destino de los concursantes. Idolatrado por algunos y temido por todos, los chicos se quedan atónitos al ser testigos del poderío de su despiadada autoridad, que se manifiesta en la marcha. Medio oculto tras unas gafas de sol oscuras y con una voz desconocida, el hombre que tiene el poder de decidir sobre la vida o la muerte es la leyenda de la pantalla Mark Hamill.

"Nunca había interpretado a nadie así", reflexiona el veterano actor Mark Hamill. "Pero fue precisamente el hecho de que este personaje me inquietara tanto lo que me atrajo como actor. El material me pareció angustioso, sombrío y muy alejado de mi zona de confort. A lo largo de los años, me he dado cuenta de que a menudo es bueno salir de tu zona de confort. Además, tengo dos hijos a los que sabía que les encantaría esta historia".

Incluso para Lawrence, resultó imposible no sentirse deslumbrado por Hamill. "Star Wars fue una gran inspiración para mí cuando era niño, así que trabajar con Luke Skywalker fue una locura y todavía me parece una locura", dice riendo. "Pero lo que más me interesó es que Mark desafió los estereotipos. Hay personas a las que podríamos haber elegido y que claramente encajan en el papel del comandante. Pero en las nuevas películas de Star Wars, hay un cansancio y envejecimiento de Luke Skywalker que realmente quería para el Comandante. Y Mark lo evocó de una manera poderosa".

El Comandante, curtido en mil batallas, ha tomado el poder militar como su único principio rector, tratando a los caminantes como peones sacrificables para promover ampliamente la idea de que solo la resistencia y el sacrificio extremos conducirán a la prosperidad futura. Pero, aunque habla de mejorar la vida, no duda en acabar con vidas en un abrir y cerrar de ojos. Uno de los mayores retos para Hamill fue trabajar con un reparto joven tan alegre y enérgico cuyos personajes están completamente aterrorizados por el Comandante.

"Fue difícil. Cooper ni siquiera quería conocerme porque temía que pudiera gustarle y eso afectara a su interpretación. Lo entendí perfectamente. Pero lo que más me importaba era conseguir una versión del comandante lo más fiel posible a cómo estaba descrito en la novela. Por suerte, no soy un actor del método. Si lo fuera, al final todo el mundo me habría odiado", dice Hamill riendo.

Aun así, Hoffman tuvo que hacer un esfuerzo para dejar de lado su admiración por Hamill. "Me resultaba muy difícil odiar a Mark", comenta. "Pero es un actor con mucho talento, así que eso me ayudó".

Mientras que el Comandante se centra en el poder y la acción, su opuesto es el otro personaje adulto principal, la señora Garraty, impulsada por la tolerancia y la paciencia, mientras se encuentra entre la multitud de espectadores, observando a su hijo Ray luchar por sobrevivir. Ella misma ha sufrido grandes pérdidas. Judy Greer, actriz conocida por su amplia gama de personajes cómicos, entre ellos el de la película ganadora del Óscar Los Descendientes, aporta al papel una tristeza palpable. Incluso entre su amplia trayectoria, "esta interpretación destaca como algo que el público nunca había visto antes en Judy", señala MacConomy.

Lawrence estaba encantado de ver a Greer sumergirse con tanta valentía en este conmovedor papel. "Es un papel difícil", señala. "Buscábamos a alguien que conectara emocionalmente con él. Judy lo consiguió. Le conmovió mucho el vínculo de esta madre con su hijo. Y a todos los chicos les encantó trabajar con ella, especialmente a Cooper".

Greer recuerda que el guion la dejó aturdida. "Sentí que era una historia importante que debía contarse ahora mismo. Pero me resultó difícil porque tengo un hijastro de la misma edad que los chicos y no podía evitar verlo a él en ese mundo", confiesa. "Francis y yo hablamos mucho sobre eso. Llegué a sentir mucha empatía por esta madre trabajadora que ama tanto a su hijo. Nunca quiso que Ray se apuntara al sorteo, y la idea de perderlo después de todo lo que ha pasado es demasiado para ella".

Tanto Jenny como Ray se han visto profundamente afectados por la pérdida del idealista padre de Ray, al que da vida Josh Hamilton, recientemente visto en la película Reality, ganadora del premio Peabody, y en la serie Lo último que me dijo. La interpretación de Hoffman y su visión del incipiente coraje de Ray inspiraron aún más el vínculo entre madre e hijo, dice Greer. "Cooper es muy maduro para su edad, una cualidad que aportó a Ray. Pero también era muy divertido en el plató. Con este tipo de historia, es genial trabajar con gente que aporta alegría entre toma y toma".

Para Hoffman, Greer también aportó mucho más que su amplia experiencia en el cine y su conocimiento de los personajes. "Judy trajo una luz increíble al plató", recuerda. "Todos estábamos tan absortos en la oscuridad de la historia y Judy es todo amor y alegría. Es una actriz increíble, pero también sentí que su presencia nos ayudó a todos a salir de nosotros mismos, algo que era muy necesario".


UNA IMAGEN EN MOVIMIENTO
Desde el primer día, Lawrence estableció un imperativo audaz que constituyó la columna vertebral creativa de toda la producción: una inmersión absoluta en todo momento hasta el último fotograma. Al igual que los caminantes, la narrativa tenía que avanzar constantemente. Pero también lo hacían las imágenes, lo que impulsó un enfoque totalmente innovador para la realización de la película y empujó al equipo a trabajar fuera de los parámetros habituales de su oficio. "Nos enfrentamos a retos de producción totalmente únicos, pero eso es lo que más me gusta", comenta Lawrence.

Esto supondría rodar sobre la marcha, lo que exigía nuevas estrategias de cinematografía y diseño para simular el flujo ininterrumpido de cinco días aterradores, agotadores y reveladores. MacConomy afirma: "El gran reto era cómo llevarlo a cabo. Al principio había muchas preguntas: ¿Cómo se moverá el equipo con los caminantes? ¿Cómo haremos el reinicio? Todo tenía que diseñarse desde cero, completamente a medida para esta producción, porque nadie había hecho una película como esta".

La única forma de que funcionara era rodar en orden lineal, con las experiencias de cada día informando al siguiente. Esto "puso al reparto y al equipo en la mentalidad de los concursantes", dice Lawrence. "Todos nos ensuciábamos más, estábamos más cansados y nos acercábamos más unos a otros, reflejando a los propios personajes. Entrábamos en cada escena con una mentalidad diferente porque todos acabábamos de experimentar la escena anterior".

Lawrence aprovechó el talento de un equipo de artesanos de primera categoría para inventar un proceso de producción totalmente en movimiento, entre los que se encontraban el director de fotografía Jo Willems, que volvió a reunirse con Lawrence tras su colaboración en Los juegos del hambre: En llamas y Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 1 y 2; el diseñador de producción Nicholas Lepage, que ayudó a dar vida al mundo apocalíptico de The Last of Us; y la diseñadora de vestuario Heather Neale, natural de Manitoba, donde se rodó la película, y que ha trabajado en películas como Ángeles cotidianos y The Porter.

Planificaron meticulosamente una ruta que recorrería aproximadamente algo más de un kilómetro por cada toma. Esto, a su vez, exigió el despliegue de carros eléctricos para cámaras especialmente diseñados, unidades móviles de vídeo, furgonetas de seguimiento y autobuses para el equipo técnico, con el fin de transportar a los departamentos de peluquería, maquillaje y vestuario para que estuvieran listos en cada tramo del camino. "Había una enorme caravana de vehículos que salía en cada toma", describe Lawrence. "Se convirtió en una forma específica de hacer una película".

Los conductores y los operadores de grúa eran tan importantes como los operadores de cámara, ya que tenían la tarea de ajustar cuidadosamente su velocidad a la de los caminantes. Varios miembros del equipo terminaron recorriendo distancias aún mayores que los actores, yendo y viniendo entre múltiples tomas. (El primer asistente de dirección, Sinan Saber, puede haber establecido el récord de producción, acumulando unos 24km al día). Lawrence también solía caminar entre el reparto y el equipo. "Saber que Francis nos apoyaba cada día y que todos los miembros de la producción acumulaban estos kilómetros juntos significaba mucho", dice Wareing.

Juntos, todos se enfrentaron a obstáculos similares, aunque decididamente no a las amenazas existenciales de los personajes: calor, humedad, insectos, ampollas y un cansancio que calaba hasta los huesos. Garrett Wareing recuerda que de repente se dieron cuenta del grado en que se pondría a prueba su resistencia colectiva. "Solo el primer día nos dimos cuenta de lo difícil que iba a ser. Ese día caminamos 14 o 16 kilómetros bajo un calor de 38 grados y recuerdo que Ben Wang me dijo en tono de broma: ¿En qué nos hemos metido?".

El director Lawrence afirma que, dado que la mayor parte de la producción se realizó en exteriores, estaban a merced del clima. "Siempre estábamos preparados. Nos considerábamos una producción que trabajaba lloviera o hiciera sol, y acudíamos al lugar para ver qué tiempo hacía".

Habría recompensas en forma de satisfacción creativa y estrecha camaradería, pero el desgaste físico nunca fue fácil. Aun así, dice Jonsson, "Apreciamos que Francis nos diera el regalo de la veracidad al hacernos caminar. Nos proporcionó momentos que nunca habíamos imaginado, momentos mágicos y profundos, y creo que eso es lo que Stephen King quería que sucediera entre estos personajes".


DISEÑANDO SOBRE LA MARCHA
Mientras los chicos se esfuerzan por mantener un ritmo que nunca puede disminuir, atraviesan el corazón de Estados Unidos, una zona árida, pero de una belleza deslumbrante. El paisaje cambia continuamente, pasando de frondosos bosques, lagos azules, campos bucólicos y emblemáticos puentes de acero a pueblos abandonados, restaurantes desolados, cementerios y ciudades de supervivientes impasibles, lo que nos ofrece una visión del sueño americano, descolorido, pero aún vigente.

Todo esto fue recreado por Lawrence y su equipo en Manitoba, Canadá, donde se rodó en el verano de 2024. Winnipeg y pueblos más pequeños, como La Riviere, Saint-Lazare, Marquette, Warren, Argyle, Stonewall, Garson y el parque provincial Birds Hill, bordeado de álamos, proporcionaron a la producción los puestos rurales, los largos tramos de bosques y las ciudades industriales por las que pasan los personajes.

El director de fotografía Jo Willems reimaginó la cámara como una máquina de movimiento perpetuo. Pero también pretendía anclar el movimiento persistente de la película con un realismo crudo que abarca el mundo natural y se acerca a los chicos. Él y Lawrence eligieron lentes anamórficas "para dar a todo un punto de vista muy cinematográfico", explica Lawrence. "La película se creó para ser vista en una pantalla grande y para ser una experiencia extremadamente visual".

Para el diseñador de producción Nicholas Lepage, el reto de convertir un paseo por la carretera en una serie de emotivas escenas finales fue apasionante. "Me impresionó el objetivo de Francis de convertir esto en una obra íntima dentro de un entorno vasto y en constante cambio", afirma Lepage. "Francis nunca perdió de vista ese objetivo ni por un momento. La experiencia de los chicos fue siempre nuestro principal foco de atención".

Para Lepage, eso supuso un contraste exigente: su objetivo era evitar que la película pareciera "diseñada", al tiempo que supervisaba una logística compleja para mejorar el escenario sobre la marcha. "Caminar puede resultar bastante aburrido a menos que se añada variedad constantemente para romper la monotonía", explica LePage. "Esa era la clave. Pero se trataba de un reto muy diferente al de decorar una sola habitación, como solemos hacer. Estábamos decorando kilómetros y kilómetros de espacio abierto, siempre buscando formas sutiles de hacer que el entorno resultara más atractivo".

Al igual que los personajes, Lepage y su equipo no siempre podían saber lo que les esperaba a la vuelta de la esquina, y, sin embargo, el flujo tenía que ser ininterrumpido. "Necesitábamos que el público viera siempre la progresión, que viera no solo cómo cambian los chicos, sino también cómo se transforma el paisaje de un minuto a otro. En un momento estás en el bosque y al siguiente estás en un campo", dice Lepage.

Trabajar en un terreno completamente nuevo, no solo cada día, sino en cada toma, llevó a su equipo al límite de la creatividad, admite Lepage. "Normalmente llegábamos temprano a la siguiente localización y solo teníamos unas horas para planificarlo todo. Estoy muy orgulloso de cómo nuestro equipo superó esa prueba. Cada día traía consigo retos inesperados, pero también momentos hermosos y repentinos".

Para combinar con las texturas toscas de la cinematografía, LePage utilizó una paleta de colores sutilmente grisácea. "Los colores de la película son deliberadamente apagados porque se trata de una época en la que los estadounidenses sufren y luchan. Es la América que todos conocemos, pero en una versión descolorida", describe. Un rayo de calidez brilla en la casa de la familia Garraty, que aparece en reveladores flashbacks. "Los Garraty no tienen mucho dinero, pero buscamos crear un ambiente familiar y cálido que se ajustara a los recuerdos de Ray. Es un lugar lleno de libros y música, con verdes y azules más vibrantes", dice Lepage.

Lepage consiguió numerosos coches antiguos para desvincular aún más la historia de cualquier época americana concreta. Los vehículos militares, una amenaza constante que puede sembrar la muerte entre los caminantes, son auténticos y han sido prestados por la extensa colección del Museo Real de Artillería Canadiense de Shilo, Manitoba.

Heather Neale, diseñadora de vestuario, comenzó a pensar en los trajes echando un vistazo a algunas de las películas más emblemáticas sobre la amistad entre adolescentes, desde la adaptación de Rob Reiner de la obra de King, Cuenta conmigo, hasta la versión de Francis Ford Coppola de Rebeldes. Su equipo buscó mochilas resistentes y relojes digitales de estilo steampunk. Pero luego Neale recurrió a los actores y trabajó en estrecha colaboración con cada miembro del reparto para desarrollar la forma en que sus personajes expresarían su identidad. Cada uno tuvo la oportunidad de elegir el atuendo con el que aparecería en la línea de salida y que llevaría en varias ocasiones a lo largo de su recorrido.

"Extendí percheros y percheros llenos de ropa, asegurándome de tener suficiente para que pudieran jugar con ella, y luego les dejé descubrir lo que les parecía adecuado y natural", explica Neale. "Fue una experiencia muy divertida".

Desde la camisa a cuadros de Ray hasta los tirantes de Stebbins, las prendas estaban fuertemente arraigadas en las personalidades y las historias de los personajes. Neale reutilizó cada prenda para múltiples aplicaciones durante el viaje. "Analizamos muchas formas diferentes en las que los chicos podrían usar cada conjunto", explica. "Por ejemplo, si hacía frío, podían envolverse la camisa alrededor de la cabeza para abrigarse, o si hacía calor, podían usar el sombrero como matamoscas. Es todo lo que tienen, por lo que la ropa cumple muchas funciones".

Una vez cristalizado, cada vestimenta pasó por cuatro etapas distintas de "envejecimiento", acumulando capas de arena y suciedad y proliferando rasgaduras y desgarros. "Todos los que participan en la pasarela están pasando por una mala racha, por lo que tenían que empezar en un estado deteriorado", señala Neale. "Así que, para empezar, nuestro equipo desgastó, maltrató y tiñó todo, para que nada pareciera nuevo o alegre. Luego, cada pieza se sometió a más destrucción en cada fase de deterioro. Nuestro equipo de descomposición utilizó muchos métodos poco convencionales para ello, como lijado, lavado y lotes secretos de productos químicos que atenúan los colores de forma inquietante. Los cambios en los tejidos se convierten en un símbolo de su viaje".

El aspecto del comandante se caracteriza por sus opacas gafas de sol de aviador, observa Neale, que King había descrito como algo que el comandante nunca se quitaba, para no delatar nada con la mirada. "Aunque lleva un uniforme militar estándar, le añadimos algunos pequeños detalles para que destacara entre los demás", afirma.

Por su parte, el departamento de maquillaje se encargó de reflejar estados cada vez más extremos de agotamiento, enfermedad y lesiones. Cada personaje que sobrevivía recibía un maquillaje cada vez más intenso, que incluía bolsas protésicas hinchadas en los ojos, lentes de contacto especiales para simular ojos inyectados en sangre y accesorios para simular labios agrietados. El maquillador Doug Morrow (Jumanji), natural de Winnipeg, afirma que "el reto consistía en coger a estos jóvenes actores sanos y hacer que parecieran estar pasando por un auténtico infierno físico".

Durante el rodaje, lo importante era avanzar. Así que solo más tarde, durante una posproducción más amplia, los efectos visuales añadirían detalles escalofriantes a la acción gráfica. Greg Kegel, un veterano de Industrial Light & Magic, ahora en Distillery VFX, fue el supervisor de efectos visuales. Kegel ha trabajado en éxitos de taquilla con muchos efectos especiales, desde Capitán América: El soldado del invierno y Vengadores: La era de Ultrón hasta El renacido y Spectre. Pero lo que más le intrigó de LA LARGA MARCHA fue el surgimiento de amistades leales en las circunstancias más imposibles.

"Me encanta que dentro de esta brutal competición haya una historia sobre el paso a la madurez. Son jóvenes que caminan por la carretera, cantando canciones, contando historias e intentando descubrir cuál es su lugar en este mundo. En ese contexto, nuestro trabajo era basarnos en la realidad y asegurarnos de que los momentos aterradores resonaran", dice Kegel.

Cada vez que un chico frena de repente y recibe su multa, el equipo de efectos visuales mejoraba la narración, desde añadir destellos de disparos hasta recrear la colisión aplastante. Otros usos de los efectos visuales en la película incluyen el trabajo y la superposición de un desgaste cada vez más extenso a medida que los supervivientes continúan su viaje.

El coordinador de efectos especiales Davin McRae también supervisó numerosos montajes especiales, incluidos los vehículos portátiles alimentados por baterías con los que viajaba el equipo para provocar aguaceros cuando el tiempo no acompañaba. Algunos de los efectos más inusuales que creó el equipo de efectos especiales se centraron en funciones corporales que, por espantosas que fueran de contemplar, estimularon métodos tremendamente creativos. En general, McRae afirma: "Esta película fue absolutamente diferente a cualquier otra que hubiéramos hecho antes. Fue un rodaje sin precedentes, que nos proporcionó la emoción de aprender sobre la marcha".


LAS COSAS QUE LLEVABAN CONSIGO
Para conectar a los actores aún más profundamente con la esencia de sus personajes, Lawrence pidió a cada uno que eligiera personalmente su propio conjunto de recuerdos para el viaje. Se trataba de pequeños objetos, del tipo que se guardan en el bolsillo o se llevan consigo, cargados de recuerdos, significado y consuelo. Tenía en mente el extraordinario relato corto de Tim O'Brien, "Las cosas que llevaban", que enumera todo lo que un grupo de jóvenes soldados de la guerra de Vietnam lleva consigo a través de la selva, desde abrelatas, brújulas y cartas de casa hasta remordimientos, sueños perdidos y recuerdos.

MacConomy afirma: "Este tipo de libertad creativa se convirtió en un verdadero aditivo para las actuaciones".

David Jonsson reflexiona sobre el impacto: "Cuando llenas tu propia bolsa con todas las cosas que realmente elegirías llevar contigo, eso acaba afectando a todo lo relacionado con la forma en que ves a tu personaje".

Jordan Gonzalez recuerda: "Cuando entré por primera vez en el almacén de atrezo, me quedé boquiabierto al ver las mesas repletas de piezas vintage cuidadosamente seleccionadas. Debí de recorrer las filas una y otra vez para ver qué me parecía propio de Harkness y qué no. Lo que más me gustaba de lo que llevaba en la mochila era, sin duda, un juego de lápices William Penn Motor Oil de los años 50".

Cooper Hoffman eligió una pelota de béisbol muy gastada que a Ray le recuerda a su padre, interpretado por Josh Hamilton en los flashbacks. "Todo tenía un toque de crudeza y honestidad", dice Hoffman sobre las opciones que se les ofrecieron a los actores, "y eso hizo que todo lo que sentíamos fuera mucho más real".

El Hank de Ben Wang lleva paquetes de chicles para controlar sus nervios. "Los chicles tenían mucho sentido para Hank", dice Wang riendo, "porque es un tipo cuya boca nunca deja de moverse".

Charlie Plummer eligió la preciada cámara de Barkovitch y un pequeño accesorio que le llegó al corazón: "Era un pequeño llavero que decía "el amor es mi gato" y significaba mucho para mí porque tengo gatos a los que no pude ver durante el rodaje. Cada vez que veía el llavero, me reconfortaba al instante".

Tut Nyuot seleccionó una combinación de objetos relajantes que pensó que animarían a Art Baker cuando lo necesitara. "Baker es un tipo religioso, así que inmediatamente elegí un crucifijo. Y elegí cigarrillos y un mechero porque intuí que Art sería fumador", explica.

Para Curly, el personaje interpretado por Roman Griffin Davis, una sola baqueta le proporcionaba consuelo. "Ni siquiera tiene dos, solo una, pero la idea era que fuera algo con lo que pudiera entretenerse cuando lo necesitara", dice Davis.

Las elecciones de Joshua Odjick para Collie incluyeron "Twizzlers para picar, que rápidamente se mojaron y se derritieron con el calor, pero eso lo hizo parecer aún más real. También elegí el collar con forma de garra de oso, que expresa algo sobre Collie".

Garrett Wareing optó por un artículo doméstico cotidiano que desempeñaría un papel importante en el viaje de Stebbins: "Vi este rollo de cinta adhesiva y pensé: ¿y si la primera vez que ves a Stebbins, se está vendando el pie? Es solo un pequeño indicio de que ya tiene una lesión y solo más tarde te das cuenta de que su pierna tiene un problema. La libertad que nos dio Francis para encontrar estos detalles para nuestros personajes ayuda al público a saber quiénes son realmente".


SONIDO Y MÚSICA
El sonido es tan importante para la tensión y la intensidad que envuelven LA LARGA MARCHA como la imagen. El complejo diseño de sonido de la película, supervisado por Jeremy Peirson (Soy leyenda, Los juegos del hambre: En llamas), se inspira en los ruidos tanto de la vida natural como de la vida militar, desde el canto de los pájaros hasta el rugido de los tanques, sumergiendo aún más al público en la creciente ansiedad que provoca la orden de caminar o morir.

"Solo teníamos una escena con tres personas hablando en una habitación. Por lo tanto, desde el punto de vista del diseño de sonido, esta película ofrecía enormes oportunidades creativas", comenta MacConomy.