Dirigida por el ganador de un Óscar(r) Martin McDonagh (Escondidos en Brujas, Siete psicópatas, Tres anuncios en las afueras, Almas en pena de Inisherin), WILD HORSE NINE está protagonizada por el dos veces nominado al Óscar(r) John Malkovich (Lugares en el corazón, En la línea de fuego), el ganador de un Óscar(r) Sam Rockwell ("Fosse/Verdon", Tres anuncios en las afueras), a Steve Buscemi (Fargo, Ghost World), a Mariana di Girolamo (Ema, El Jockey), a Ailín Salas (El Secreto, "Monzón"), junto a Tom Waits (Siete psicópatas) y a Parker Posey (The White Lotus).

Con guion de McDonagh, la película vuelve a reunir al guionista y director con Searchlight Pictures, Blueprint Pictures y Film4, tras su colaboración en Almas en pena de Inisherin -nominada a nueve premios Óscar(r)- y Tres anuncios en las afueras, con Graham Broadbent, Pete Czernin y Anita Overland como productores. Ben Knight y Diarmuid McKeown son los productores ejecutivos.

Junto a McDonagh detrás de la cámara se encuentran el director de fotografía Ben Davis ("Tres anuncios en las afueras", "Almas en pena de Inisherin") y el diseñador de producción Denis Schnegg ("Ex Machina"), el montador ganador de un Óscar(r) Mikkel E. G. Nielsen ("El sonido del metal",

"Almas en pena de Inisherin"), la diseñadora de vestuario Eimer Ní Mhaoldomhnaigh ("Almas en pena de Inisherin") y la diseñadora de peluquería y maquillaje Emma Scott ("Dunkerque").

El equipo de sonido cuenta con el mezclador de sonido de producción ganador de un Óscar(r) John Casali (Bohemian Rhapsody, Blitz), el mezclador de regrabación de sonido ganador de un Óscar(r) Chris Burdon (Top Gun: Maverick, Almas en pena de Inisherin), el mezclador de sonido de posproducción Gilbert Lake (Muerte en el Nilo, Bitelchús) y el editor de sonido supervisor Joakim Sundström (El jardinero fiel, Almas en pena de Inisherin).


Dos hombres al final del mundo
Wild Horse Nine es el quinto largometraje del guionista y director ganador de un Óscar(r) Martin McDonagh, centrado en una amistad forjada a lo largo de décadas de secretismo, lealtad y compromisos morales. En la película, Chris (el nominado al Óscar(r) John Malkovich) y Lee (el ganador del Óscar(r) Sam Rockwell) -dos veteranos agentes de la CIA cuyas carreras se desarrollaron a la sombra de la política de la Guerra Fría- llegan a la Isla de Pascua cargando con el peso de un pasado compartido desde hace mucho tiempo y, aunque están fuera de servicio, con motivos ocultos que ni siquiera se confiesan el uno al otro.

Ambientada en Chile en 1973, la historia se desarrolla en los meses previos al golpe militar que expulsará al presidente democráticamente elegido Salvador Allende. Mientras las fuerzas políticas se concentran en el continente, Chris y Lee son enviados desde Santiago a la Isla de Pascua, un enclave volcánico situado a más de 2.000 millas en el océano Pacífico. Durante su estancia en la Isla de Pascua, ambos emprenden diferentes viajes clandestinos, mientras Chris reflexiona sobre sus decisiones vitales y su carrera a través de un dictáfono y las grabaciones en Super 8 mm de Lee, y Lee se debate entre las órdenes de MJ, que lo sitúan de lleno en medio del destino de Chris.

Para McDonagh, la historia y el personaje de Chris le ofrecieron la oportunidad de explorar la brújula moral de un hombre que ha pasado décadas operando en las entrañas de la política mundial.

"Pensé que sería interesante abordar la culpa de una persona y su actitud hacia lo que ha hecho", afirma McDonagh. "Además, es católico, así que la culpa, los pecados y todo ese tipo de cosas entran en juego".

Una combinación de dilema ético y equilibrio tonal se convirtió en el rasgo definitorio del personaje, y resultó inmensamente atractivo para un actor como Malkovich. "Es bastante divertido, bastante infantil", afirma Malkovich. "Pero también, obviamente, dada su historia, es bastante letal, a pesar de que se encuentra al final de su carrera".

El núcleo emocional de la película, sin embargo, se basa en la relación entre Chris y Lee. Chris se acerca al final de su carrera tras años dedicados a llevar a cabo operaciones encubiertas por todo el mundo. Lee, por su parte, le sigue siendo profundamente leal como amigo, compañero y, a veces, cuidador a regañadientes.

"El amor entre estos dos hombres, ese es el corazón de la historia", afirma McDonagh.

Rockwell describe la premisa con su característico humor directo, calificándola de "una película sobre dos hombres blancos idiotas de más de 50 años que se van a la Isla de Pascua para darse un último capricho y se lían las cosas". Pero bajo el humor negro de la película se esconde un eje emocional más profundo.

El actor Steve Buscemi, que interpreta al jefe de la CIA MJ, afirma que la historia gira en torno a los complicados vínculos entre sus personajes, más que a la política que los rodea.

"Las relaciones son lo que me parece realmente cautivador", dice Buscemi. "Se trata de la amistad y de lo que harías por otra persona".

"Martin te lleva en una montaña rusa; en realidad es una historia de amor entre dos hombres que se conocen desde hace tiempo y que, a lo largo de este viaje, llegan a demostrarse su amor mutuamente", añade el productor Graham Broadbent, de Blueprint Pictures, que ha producido cinco películas con McDonagh. "Cuenta esta historia desde su perspectiva como ser humano, no como activista político".

Ese equilibrio entre el humor y la gravedad emocional define desde hace tiempo la narrativa de McDonagh. Tal y como describe Malkovich, la voz del director a menudo llega hasta lo más profundo de las emociones.

"Es muy divertida -una comedia inusualmente oscura-", afirma. "Me recuerda a la vida".

Pero los orígenes de Wild Horse Nine no residen en sus personajes. La historia en sí surgió de una fascinación mucho más antigua por un lugar de la Tierra que llevaba más de una década arraigado en la imaginación de McDonagh.


La isla y el golpe de estado
El desarrollo del guion
Mucho antes de que Wild Horse Nine tomara forma en el papel, McDonagh viajó a la Isla de Pascua con solo una vaga intuición de que aquel remoto paisaje del Pacífico podría, algún día, inspira un proyecto futuro.

"Fui hace unos 12 o 13 años para ver si se podía ambientar una historia allí", recuerda, "sin saber muy bien qué podría ser, pero pensando que podría ser un lugar bastante interesante y 'fuera de lo común'".

Conocida localmente como Rapa Nui, la Isla de Pascua se encuentra a más de 2.000 millas de la costa de Chile. Es uno de los lugares habitados más aislados del planeta. Aunque su primera visita a la isla duró solo unos días, la experiencia permaneció en la mente de McDonagh aun cuando la idea de Wild Horse Nine era inexistente. Durante los años siguientes, McDonagh tenía en presente la idea de ambientar una película allí, experimentando con diferentes posibilidades narrativas, pero sin conseguir dar con una que le pareciera la adecuada.

El gran avance llegó cuando le resurgió otro interés que tenía desde hacía tiempo: la agitación política que tuvo lugar en Chile a principios de la década de 1970. Para McDonagh, esa curiosidad se remonta a una canción punk que escuchó por primera vez cuando era un adolescente.

"Todo surgió de una canción de The Clash, incluida en su álbum Sandinista! de 1980, titulada "Washington Bullets"", explica. "Habla de la implicación de Estados Unidos en muchos lugares del mundo. Habla de la Bahía de Cochinos y de Cuba. Supongo que la escuché cuando tenía unos 10 o 12 años y eso despertó mi interés por indagar y leer sobre el tema, y esas preguntas se me quedaron grabadas".

Con el tiempo, esas dos ideas -el inquietante aislamiento de la Isla de Pascua y la historia de Chile- comenzaron a entrecruzarse. Finalmente, las fusionó en una sola historia, y Wild Horse Nine empezó a tomar forma de verdad.

"Ese viaje a la Isla de Pascua, que obviamente es un territorio de Chile, me dio cierta libertad para utilizar la isla, la historia de Chile y la relación de Estados Unidos con Chile, todo en uno", afirma McDonagh.


Broadbent añade: "Hay algo que hace Martin, y es que capta el espíritu del lugar en todo. Lo extraordinario que ha hecho Martin en esta película es vincular los acontecimientos de Chile en 1973 con este lugar único, de una forma que no creo que nadie más hubiera podido hacer".

Lo que había comenzado como una búsqueda de localizaciones se fue convirtiendo poco a poco en una historia sobre dos veteranos que se enfrentan a las consecuencias morales de una vida dedicada a la CIA, con un escenario de fondo que ha sido testigo silencioso de siglos de historia humana.


Un reparto para una elegía
Reparto
En el centro de Wild Horse Nine se encuentran dos hombres cuyas vidas han estado marcadas por décadas de trabajo conjunto en la CIA. Chris y Lee llegan a la Isla de Pascua no solo como colegas, sino como compañeros con años de misiones peligrosas a sus espaldas y los dilemas morales que estas conllevan. A medida que McDonagh fue puliendo la trama a lo largo de los años, la dinámica encontró finalmente su realización ideal en la pareja formada por Malkovich y Rockwell.

Según la directora de casting Sarah Halley Finn, Chris -un veterano agente de la CIA que se acerca al final de su carrera tras décadas navegando por los rincones más oscuros de la política exterior estadounidense- fue el papel más difícil de cubrir.

"Chris era un reto muy difícil: un actor capaz de ser totalmente ofensivo, violento, cruel y destructivo consigo mismo y con los demás, pero que al mismo tiempo pudiera ganarse la simpatía del público, hacernos reír y, en última instancia, partirnos el corazón", explica Finn. "Era una línea increíblemente difícil de seguir para un actor: crear todas las aristas de este personaje y luego, poco a poco, abrirse y revelar algo más vulnerable y tierno, crudo y universalmente humano".

Pocos podían cumplir todos esos requisitos tan a la perfección como Malkovich. Aunque Malkovich nunca había interpretado un papel como este, Finn llevó a cabo una exhaustiva investigación, rebuscando en cada actuación, entrevista e imagen que pudiera servir para respaldar la idea de elegirlo para el papel de Chris. McDonagh coincidió en que, de todos los actores que podían abordar el papel, solo Malkovich podía interpretar a Chris tal y como él lo había imaginado al crear el personaje.

"John suele interpretar a tipos peligrosos y que dan miedo", dice McDonagh sobre el actor.

"Pero su destreza a la hora de manejar el humor de la historia y la tristeza fue sencillamente asombrosa. Consigue que resulte simpático un tipo que ha hecho cosas bastante horribles".

Para Malkovich, esa complejidad ética era precisamente lo que hacía que el papel resultara tan atractivo. "Tiene toda una historia a sus espaldas", dice el actor. "Ha hecho muchas cosas bastante cuestionables y se debate entre cuestiones de conciencia y de culpa, y se pregunta qué ha hecho con su vida y al servicio de qué".

La relación de Chris con Lee es la que aporta el peso emocional de la película. Aunque se saquen de quicio mutuamente, siguen unidos por una lealtad que dura ya décadas.

"Se irritan enormemente el uno al otro", dice Malkovich. "Se pelean casi todos los días, casi como una familia de verdad. Pero tienen una relación muy estrecha y Chris confía en Lee en cuestiones de vida o muerte".

Para el papel de Lee, McDonagh recurrió a su colaborador habitual Rockwell, que ya había protagonizado Siete psicópatas y Tres anuncios en las afueras. "Sam siempre es lo mejor de sus películas, pero no es un actor egoísta", afirma McDonagh. "En esta, es como el compañero de tenis perfecto para John".

Lee ocupa una posición diferente dentro de la asociación. Más joven y aún en activo en la agencia, sigue siendo un amigo leal mientras lidia con sus propias frustraciones por una vida dedicada al mundo de la inteligencia.

"Probablemente a Lee le hace falta un ascenso desde hace tiempo", bromea Rockwell. "Está un poco deprimido. Su mejor amigo es este hombre que podría ser su padre o su tío. Es un personaje interesante. En cierta medida es un tipo sensato, pero luego tiene un lado inesperado".

La dinámica entre los dos personajes se asemeja a menudo a la de una larga relación que ha evolucionado profundamente.

"Chris dice que no tenía ningún amigo -ni uno solo- antes de conocer a Lee, y que se sentía solo", explica Malkovich. "Pero Lee también se siente solo, en cierto modo".

La vida personal de Lee aporta otra capa de tensión a través de su relación con su esposa Margie, interpretada por Parker Posey. Aunque ella se mantiene físicamente alejada de los acontecimientos de la Isla de Pascua, su presencia se cierne sobre el panorama emocional de Lee. Durante los ensayos, McDonagh y los actores exploraron las ambigüedades de esa relación. McDonagh también tomó la inusual decisión de que los actores se metieran en el personaje y utilizaran el teléfono de verdad al rodar las escenas de Marge y Lee, todas ellas representadas como llamadas telefónicas entre su residencia en Nuevo México y la Isla de Pascua (donde Lee está acampando). En la mayoría de las películas, un director o un supervisor de guion lee las líneas desde el otro extremo de la llamada mientras la cámara enfoca al actor, pero en este caso McDonagh buscó la verosimilitud, hasta tal punto que Posey incluso se aventuró a viajar a la Isla de Pascua durante el rodaje (a pesar de que ninguna de sus escenas se desarrollaba en la isla). "Martin quería que las escenas cruciales entre Lee y Marge no solo fueran cómicas, sino también puntos clave -y a veces explosivos- de la trama", afirma Broadbent. "El resultado fueron un par de escenas fundamentales con estos dos magníficos actores que impulsan la historia en direcciones inesperadas".

"Trabajé con Parker, Sam y John, hice ensayos, respondí a preguntas sobre las motivaciones de los personajes, como por qué Lee permite que le pongan los cuernos o si el personaje de Parker se está inventando cosas", explica McDonagh.

Rockwell añade: "A Margie le cuesta un poco controlarse. En cierto modo, se trata básicamente de George y Martha en ¿Quién teme a Virginia Woolf?".

Vigilando la operación desde Santiago está el burócrata estirado MJ, interpretado por Buscemi. El personaje representa la autoridad institucional que hay detrás de la misión, así como la estructura de poder que, en última instancia, gobierna las vidas de hombres como Chris y Lee.

"Intenta ser el jefe amable, pero a veces eso tiene un límite, y entonces tiene que ponerse firme y ser el que impone la disciplina, un poco de tipo duro", dice Buscemi, que conoció a McDonagh en el Festival de Cine de Venecia en 2022. "Eso me gustó".

McDonagh sabía que la película no podía limitarse a tratar sobre dos estadounidenses que "la lían en Chile", como él mismo dice. "Había que mostrar cómo eran los chilenos, sobre todo los de izquierdas, y cuáles eran sus motivos". Así, mientras Chris, Lee y MJ cargan con el peso de la historia de la política de la Guerra Fría, la trama se amplía con la llegada de dos estudiantes chilenas cuyas vidas se cruzan con las de Chris y Lee en la isla.

Mariana di Girolamo interpreta a Mónica, una joven cuya curiosidad y empatía la acercan poco a poco a Chris, a pesar de su escepticismo inicial. Mónica acaba convirtiéndose en uno de los pilares emocionales de la película. A través de sus conversaciones con Chris, empieza a vislumbrar las fuerzas políticas más oscuras que están configurando el futuro de su país. Pero para di Girolamo, el personaje representa algo más amplio que una simple trama.

"Me reí mucho cuando leí el guion", recuerda di Girolamo. "Al principio me sentía un poco culpable porque me reía de cosas terribles. Pasé por muchas emociones. Pero Wild Horse Nine, para mí, es una película sobre la amistad y la redención", afirma. "También trata sobre la compasión, la memoria, la vida y la ausencia de esta. Eso es lo que tienen las películas de Martin. No son binarias. No hay algo bueno o malo. Hay mucha zona gris, y puedes sentir compasión por un personaje como este agente de la CIA. Es la primera vez que alguien intenta contar esta historia de esta manera. Siempre vemos películas políticas sobre golpes de Estado en Latinoamérica, Chile o Argentina. Pero esta es muy singular".

Contar con una actriz chilena, cuyo país, cultura e identidad quedaran representados en la película, era esencial para contar la historia de forma auténtica. Finn afirma: "Conocí a Mariana varios años antes, tras su impresionante interpretación en el musical Ema, de Pablo Larraín. Ya entonces me cautivó su calidez y su talento, y fue la primera persona en la que pensé cuando leí el guion".

Ema fue también la puerta de entrada de McDonagh al mundo de di Girolamo, una estrella muy conocida en Sudamérica.

"Mariana es una brillante actriz chilena", afirma. "Vi Ema de camino a la Isla de Pascua desde Santiago durante uno de nuestros viajes de preparación, y pensé que sin duda debíamos contar con ella para este papel. Estoy deseando que el mundo fuera de Chile vea lo brillante que es. Mariana es todo lo que esperaba que fuera ese personaje".

"Es clave para la transformación de Chris", añade Finn. "Tenía que tener esa calidez y humanidad que atraen a Chris, que apelan a la pureza de corazón que él perdió hace tiempo. Y mientras Chris se va abriendo poco a poco, ella tendrá que ser capaz de encontrar su fuerza interior y volverse más dura, para que creamos plenamente en su propia transformación, que ocurre en un instante".

Junto a di Girolamo está Ailín Salas, que interpreta a Alicia, un personaje cuya presencia complica la dinámica emocional que rodea a los dos estadounidenses y que, en última instancia, toma una dirección inesperada. Alicia, que al principio viaja con Mónica como compañera de estudios para explorar la Isla de Pascua, va revelando poco a poco motivaciones que cambian el rumbo de la historia.

"Fue un buen reto para mí", afirma Salas. "Creo que ha sido el personaje más oscuro que he interpretado nunca".

Como productor de varias de las películas de McDonagh, Broadbent admira la relación que este establece con su reparto. Explica: "Si observas la obra de Martin y a los actores con los que trabaja -ya sea Frances McDormand, Brendan Gleeson, Colin Farrell, Kerry Condon y ahora John Malkovich-, hay una química entre él y estos actores clave que es deliberada. No es casualidad; Martin saca lo mejor de personas brillantes".

Tom Waits, que ya había trabajado con McDonagh en Siete psicópatas, volvió a colaborar con él interpretando a Jim, el hermano de Chris, que aparece en varios momentos cruciales rodados en Monument Valley, Utah. McDonagh afirma: "Me encantaron estas escenas. Poder rodar en Monument Valley, donde vive Jim -su casa está a unos 183 metros de John Ford Point-, sales y ya estás allí mismo. Volví a ver Centauros del desierto".

Conseguir un reparto que encajara a la perfección en un lugar y una época tan concretos requirió una exhaustiva investigación sobre la historia política del golpe de Estado chileno y la época que el equipo intentaba plasmar. Más allá de los miembros clave del reparto, Finn se encargó de reclutar a actores indígenas para interpretar papeles secundarios o de figurante.

"Teníamos muchas ganas de incluir a actores indígenas en la película para darle otra capa de autenticidad", explica. "Colaboramos con un asistente de casting sudamericano, Robert Mattis, y nos pusimos en contacto con restaurantes y cineastas locales para ver si había otras personas que pudieran aparecer en pantalla. Mi asistente llegó incluso a investigar todas las empresas de alquiler de coches de la isla y a enviar un folleto preguntando a los empleados si querían hacer una audición. Conseguimos reclutar a muchos lugareños sin experiencia como actores para completar el elenco de la película".

En conjunto, todo el reparto forma una red de relaciones que va desvelando poco a poco el terreno emocional que se esconde tras el trasfondo político y el pintoresco paisaje de la película.


Donde observan los Moai
Rodaje en la Isla de Pascua
Conocida localmente como Rapa Nui, la Isla de Pascua se caracteriza por sus extensas colinas verdes, sus acantilados que caen abruptamente al océano Pacífico y las monumentales estatuas moái talladas hace siglos por los primeros habitantes de la isla. Casi 1.000 de esas figuras de piedra permanecen dispersas por el terreno hasta el día de hoy, con sus rostros girados hacia el interior, como si observaran en silencio las vidas que se desarrollan a su alrededor. Para McDonagh, la atmósfera de la isla se volvió inseparable de la historia que finalmente ambientó allí.

"Hay una intensa espiritualidad en la isla y en los moáis", afirma. "Quieres plasmar eso en una historia que también trate sobre la espiritualidad. Hay algo en el paso de la vida, y en que estos observadores sigan ahí sin juzgar. Y ahí está Chris, buscando el juicio final".

Aunque la producción podría haber recreado la Isla de Pascua en diversas zonas del mundo, para McDonagh y el equipo era importante que la película se rodara in situ. Solo se ha rodado otra película allí, hace décadas (el largometraje de Kevin Reynolds de 1994, Una aventura en el paraíso). La producción en sí misma requirió un nivel extraordinario de planificación para un lugar que no había acogido a un equipo de rodaje de largometraje en más de tres décadas. Por supuesto, casi todo el equipo necesario para el rodaje tuvo que transportarse desde Chile continental hasta la isla, y el equipo de 150 personas colaboró estrechamente con las autoridades locales y los residentes para garantizar que la producción respetara la importancia cultural e histórica de los yacimientos de moáis.

La productora Anita Overland recuerda la experiencia de trabajar allí como algo a la vez logísticamente complejo y profundamente gratificante.

"Trabajar en la Isla de Pascua fue increíble", afirma. "Es un lugar muy espiritual y mágico. Tuvimos la suerte de que Graham hubiera estado en contacto con Fabula, la productora chilena dirigida por Juan y Pablo Larraín. Nos habían ayudado a ponernos en contacto con la administración de Ma'u Henua desde el principio, así que colaboramos estrechamente con ellos para encontrar la manera de rodar la película, pero también de proteger el territorio y los moáis".

Broadbent añade: "Es un lugar declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, así que todo lo que llevamos a la isla, lo sacamos de ella. No queríamos dejar ninguna huella. Respetamos a los moáis, respetamos a la gente que vive allí. Queríamos respetar el proceso con Ma'u Henua y, en última instancia, esperábamos que la relación de confianza entre nosotros y ellos se plasmara en algo extraordinariamente bello".

En total, los cineastas pasaron tres meses empapándose y captando la energía mística.

"No hay mucha gente que se quede tanto tiempo allí sin vivir en la isla", explica McDonagh.

"Los turistas vienen dos o tres días. Poder captar realmente la esencia del lugar fue algo mágico".

Entre toda la magia que ofrece la isla -la tranquila presencia de los moáis, el vasto horizonte del Pacífico y la sensación de que el paisaje ha existido mucho más tiempo que las vidas que se desarrollan en todo el planeta-, hubo un descubrimiento en particular que sorprendió a McDonagh en su primera visita.

"Cuando fui allí por primera vez, lo que no sabía era que había caballos salvajes", dice McDonagh. "Están por toda la isla". Los animales deambulan libremente por el terreno, apareciendo de forma inesperada a lo largo de las carreteras y en las laderas. Su presencia no solo es un aspecto significativo del lenguaje visual de la película, sino que también actúan como testigos silenciosos de los conflictos, los deseos, las historias y las consecuencias de los personajes a medida que la historia se desarrolla en la isla.

"En todas las versiones del guion, los caballos estaban ahí porque están ahí en la vida real", explica. "Hay algo espiritual y triste en ellos. Da la sensación de que también llevan ahí desde siempre, observando. Los caballos y los moáis: observadores inocentes. Eso no se puede planificar de antemano. Simplemente hay que dejarse margen durante el rodaje para captarlo".

La presencia de estos animales también evocaba otro aspecto de la película: su proximidad al género del western. "Es como dos viejos pistoleros al final de sus días oscuros", dice McDonagh, refiriéndose a un elemento que más tarde se desarrollaría aún más en la banda sonora original de la película. Para cuando Chris llama por teléfono a su hermano, con el que no se habla (Tom Waits), y la historia se traslada a unas 5.000 millas de distancia, a las colinas y mesetas del Monument Valley de Arizona, el ADN del western de Wild Horse Nine no podría ser más evidente.

Para los cineastas, esa sensación de historia y continuidad acabó convirtiéndose en uno de los elementos definitorios de la película. Las estatuas moái llevan siglos en pie en la isla, los caballos salvajes siguen vagando por las colinas y el Pacífico se extiende infinitamente más allá de los acantilados. Frente a ese paisaje ancestral, la historia de Chris y Lee se desarrolla como algo a la vez fugaz y profundamente humano: dos amigos y compañeros de trabajo que se enfrentan a las consecuencias de sus vidas en un lugar que, en silencio, les recuerda lo pequeñas que son, en última instancia, esas vidas.


Inspirándose en los años 70
Fotografía
Capturar el mundo visual de Wild Horse Nine requirió equilibrar dos elementos distintos pero interconectados: el vasto paisaje físico de la Isla de Pascua y el terreno emocional íntimo que comparten los personajes de la película. Para McDonagh y el director de fotografía Ben Davis, el reto consistió en encontrar un lenguaje visual que pudiera abarcar ambos.

"La isla tenía que ser un personaje", afirma McDonagh. "Así que dedicamos tiempo a las tomas con dron y a las tomas en movimiento para captarlo. Vas a un lugar y ves lo que llama la atención, y en la Isla de Pascua es el verde. Casi lo resaltas en exceso: verde, verde, verde. Y también teníamos que utilizar los moáis a la perfección. Nos aseguramos de que las escenas se centraran casi por igual en ellos y en los personajes".

Cuando comenzó la producción, McDonagh ya había forjado una larga colaboración creativa con Davis a lo largo de tres proyectos anteriores (Almas en pena de Inisherin (2022), Tres anuncios en las afueras (2017) y Siete psicópatas (2012)). Para esta película, ambos cineastas se sintieron atraídos por la textura visual de las películas estadounidenses de principios de los años 70. El escenario de época de la historia influyó en un punto de referencia natural.

"Visualmente, es una de mis épocas favoritas", afirma Davis. "Algunas de las mejores películas de mi vida se estrenaron en los años 70. Había una cierta sencillez en ellas. Queríamos que el público no se diera cuenta de lo que hacía la cámara".

El objetivo no era imitar una película concreta, sino evocar el carácter fotográfico de la época, así como sus texturas imperfectas y paletas de colores características. Davis señala como fuentes de inspiración como La ciudad dorada (Fat City), de John Huston, y Cowboy de medianoche, de John Schlesinger, como fuentes de inspiración, hasta tal punto que él y McDonagh llegaron incluso a plantearse si no deberían rodar íntegramente en película de 35 mm. Pero las dificultades de rodar en una de las islas más remotas de la Tierra complicaron rápidamente esa idea, lo que llevó a una producción principalmente digital.

"Rodar en película cuando te encuentras en el que probablemente sea el lugar habitado más aislado del mundo y conseguir que el negativo llegara a revelarse habría sido muy difícil", afirma Davis.

En su lugar, empezó a probar formas de reproducir el aspecto de las películas de la época utilizando cámaras digitales. Durante las primeras pruebas, experimentó con Ektachrome, una película de color inversible muy utilizada durante la década de 1970. Él y McDonagh también se fijaron en la obra del fotógrafo William Eggleston, que utilizó tanto ese formato como el Kodachrome para sus famosas imágenes saturadas de las décadas de 1960 y 1970.

"La forma en que Ektachrome capta el color rojo fue especialmente importante para nosotros, porque el rojo realmente destaca en un paisaje de hierba verde y mar y cielo azules", explica Davis.

"Intentamos limitar la paleta de colores para que, cualquier cosa que colocáramos en ese paisaje, resaltara".

El enfoque del encuadre también fue similar, señala Davis, al de su colaboración con McDonagh en Almas en pena de Inisherin. "Se trataba del aislamiento, y de cómo estos dos hombres están, en cierto modo, aislados en su propio mundo", explica. "Siempre intentaba situar dos pequeñas figuras en un gran paisaje y, a medida que avanza la película, la cámara se va acercando cada vez más a los actores. Para cuando llegamos a la escena en la que John dice: "Ella es la vida y yo la estoy dejando atrás", queríamos que el público comprendiera de verdad la intimidad y las emociones que están viviendo estos dos hombres".

Aunque el formato principal fue el digital, hay ejemplos de Super 8 y 16 mm en la película - como la omnipresente cámara Super 8 de Lee-. Davis también utilizó lentes Baltar propias de la época para ayudar a conseguir una estética de los años 70, realzando aún más el aspecto al transferir el metraje digital a un negativo de película y luego escanearlo de nuevo al proceso digital, lo que le confiere el grano orgánico, la respuesta cromática y las imperfecciones de la película fotoquímica.

Y para una película con, una vez más, un marcado carácter western, la oportunidad de rodar en Monument Valley (y, además, en el mundialmente famoso John Ford Point, en lo más profundo del valle) fue casi tan increíble como la experiencia en la Isla de Pascua.

"Quería rodar la escena de Monument Valley al amanecer, para que pareciera que Tom Waits se había despertado a primera hora de la mañana", explica Davis. "Fue complicado conseguir que todos pudiéramos estar allí. Tengo que decir que el equipo de producción hizo un trabajo increíble en todos los aspectos. Rodar una película de época en la isla habitada más aislada del mundo, llevar los coches y al equipo hasta allí, y además rodar en la isla, alojar a la gente y alimentarla… fue un auténtico reto".


De Santiago a Rapa Nui
Diseño de producción y diseño de vestuario
Aunque el paisaje natural de la Isla de Pascua define la identidad visual de Wild Horse Nine, gran parte de la atmósfera de la película surge de los entornos en los que habitan los personajes. El diseñador de producción Denis Schnegg y la diseñadora de vestuario Eimer Ní Mhaoldomhnaigh trabajaron en estrecha colaboración con McDonagh y otros jefes de departamento para crear un mundo visual que reflejara tanto las tensiones políticas de principios de la década de 1970 como los viajes emocionales de los personajes que se mueven en él.

"Queríamos que las escenas en Chile continental fueran austeras y sombrías", afirma McDonagh al referirse a la primera parte de la película, que retrata el mundo de la CIA y se rodó en localizaciones de Santiago. "La plaza a la que dan las oficinas de la CIA tiene importancia histórica. Es donde se encuentra el palacio presidencial, que las fuerzas de Pinochet bombardearon el día del golpe de Estado, y es donde murió Allende. Por su parte, la Isla de Pascua es todo lo contrario: colores vibrantes, verdor, espiritualidad, a modo de contrapunto. Hay muy poco color, de forma intencionada, en las secuencias de Santiago".

Gran parte del terreno emocional se desarrolla en el interior del hotel donde Chris y Lee se alojan durante su estancia en la Isla de Pascua. Schnegg y su equipo construyeron las habitaciones contiguas desde cero, utilizando sutiles diferencias visuales para reflejar los estados psicológicos de los dos hombres.

"Los hoteles tienen un lenguaje propio: alfombras, cortinas y distribuciones similares", explica Schnegg. "Pero introdujimos ligeras variaciones para que el público sepa de inmediato cuál es cada habitación. El espacio de Chris se va deteriorando con el tiempo. Deja de preocuparse por su entorno. Se vuelve más caótico, con pañuelos manchados de sangre como recordatorios simbólicos de su enfermedad. La habitación de Lee, por su parte, refleja inquietud. Está al teléfono, entrando y saliendo, dividido entre su lealtad hacia Chris, su familia y su trabajo. El ambiente de las dos habitaciones es diferente".

Más allá de esos interiores, Schnegg también trabajó para recrear partes de la Isla de Pascua tal y como podrían haber sido a principios de la década de 1970. El turismo moderno ha transformado gran parte de la principal localidad de la isla, Hanga Roa, lo que obligó al equipo de producción a reimaginar ciertos lugares.

"No hay muchas fotos de Rapa Nui de aquella época, pero encontramos algunas fotos familiares privadas que nos ayudaron", explica Schnegg. "Hay una escena en la que un famoso músico chileno, Víctor Jara, que más tarde fue asesinado por los fascistas, visita la isla. Resume la tragedia por la que pasó el país. No pudimos encontrar una localización que se ajustara a la época, así que elegimos el mejor exterior en cuanto a coreografía y líneas de visión, y cambiamos toda la fachada y la calle".

Además, a Schnegg se le encomendó la tarea de conseguir y transportar coches antiguos a la isla para el rodaje. Había dos vehículos antiguos protagonistas que requerían tener un par a juego, ya que la lejanía de la isla exigía soluciones rápidas en caso de que algo saliera mal durante las escenas de acrobacias con los coches.

"Encontrar los modelos más adecuados y fotogénicos fue bastante sencillo", según Schnegg.

"César, nuestro coordinador de vehículos, nos propuso muchos modelos estadounidenses típicos de aquella época en Latinoamérica, pero nunca conseguimos encontrar réplicas exactas de ningún modelo, y ninguno se ajustaba a nuestra gama de colores. El equipo tuvo que combinar todos los accesorios, repintar los cuatro vehículos con los colores elegidos y retapizar los interiores. Fue un trabajo hecho con mucho cariño; nos llevó seis semanas, rematadas por el trabajo de un equipo de escenógrafos que, con gran destreza, envejecieron los coches -ahora impecables- para que volvieran a dar la sensación de estar usados y vividos".

El transporte marítimo supuso otro reto más y una fuente constante de ansiedad para el equipo. La travesía mínima es de diez días desde la costa de Chile hasta Rapa Nui, y el horario depende en gran medida de las condiciones meteorológicas. Al final, el margen de tiempo fue muy ajustado, ya que los retrasos en los horarios de los barcos hicieron que no llegaran para el primer día de rodaje. Por suerte, el equipo pudo reprogramar el rodaje para dar cabida a la llegada a Rapa Nui de cinco vehículos protagonistas y unos diez vehículos secundarios, junto con una buena cantidad de piezas de recambio y materiales para improvisar reparaciones de última hora.

Para Schnegg, la propia isla acabó marcando la filosofía del diseño debido a la forma en que pone en perspectiva la vida humana. "Tienes este paisaje casi desierto donde los humanos se sienten como invitados", afirma. Sin embargo, lejos de la isla, Schnegg califica el rodaje de las pocas escenas icónicas en Utah como "un sueño creativo".

"En la era de los efectos especiales generados por ordenador (CGI), hay múltiples formas de simular este tipo de ideas en un estudio, o en otro país donde el equipo ya esté rodando. Martin se mostró inflexible en que la película necesitaba el contrapunto de un paisaje estadounidense real frente al extraordinario telón de fondo de Rapa Nui", explica.

La casa de Lee y Marge requería un extenso jardín desértico a lo largo de la vivienda, que luego había que desenterrar y destruir por completo durante el día de rodaje. Schnegg afirma: "Funcionó de maravilla y, de nuevo, encajaba en el entorno como si siempre hubiera estado allí". La decoración del interior, los colores, los materiales, los estampados, los diseños de los años 70 y los rastros de la vida familiar, reunidos con mucho cariño, hicieron sonreír a todo el mundo cuando aparecieron. Fue un magnífico contrapunto a un mundo completamente diferente en el que habíamos estado rodando hasta ese momento".

Desde el punto de vista logístico, fue un reto ambicioso. Rapa Nui y Chile ya están a cinco horas y media de distancia, por lo que añadir Utah -concretamente, Monument Valley- al rompecabezas de la búsqueda de localizaciones y la preparación resultó complicado. Como siempre, lo que el equipo necesitaba no existía. En un constante ir y venir entre el departamento de arte de Utah y el de la Isla de Pascua, el equipo de Schnegg desarrolló el aspecto de ambos entornos a partir de numerosas referencias, diversos bocetos y collages.

"La cabaña de la reserva navajo requirió bastante experimentación escénica creativa para que encajara bien en el entorno", detalla Schnegg. "El amanecer con el que nos obsequió el último día de rodaje fue de otro mundo. Hizo que todo el viaje, la insistencia por llegar hasta este punto, mereciera totalmente la pena y fuera absolutamente inolvidable".

Ní Mhaoldomhnaigh, por su parte, abordó el proyecto con una sensibilidad similar hacia los personajes y el entorno. Trabajando en estrecha colaboración con los departamentos de arte y de cámara, desarrolló una paleta de vestuario que refleja el contexto histórico de la película al tiempo que responde a los vivos colores naturales de la localización.

"El color es muy importante para mí", afirma. "Siempre hay que tener en cuenta el color del paisaje y cómo interactúa con lo que estás haciendo".

Chris y Lee tienen cada uno una identidad visual distinta dentro de esa paleta. El vestuario de Chris refleja a una generación más antigua de agentes de inteligencia. El de Lee, por su parte, incorpora influencias del suroeste estadounidense, lo que da pistas sobre aspectos del pasado del personaje.

"Chris lleva muchos trajes y sombreros de color marrón oscuro", explica Ní Mhaoldomhnaigh.

"Sus sombreros son un homenaje a Gene Hackman en French Connection: Contra el imperio de la droga. Y con Lee, que vive en el suroeste de Estados Unidos, tuve que hablar con Martin para incorporar algo de eso a su personaje. Una vez hice un viaje por carretera por Nuevo México y Arizona y recordé las joyas navajo. Por eso, Lee lleva piezas de plata navajo con piedras de turquesa. No hay que pasarse, solo aportar un toque sutil al personaje. También lleva un Stetson, un sombrero muy al estilo de Steve McQueen. A Sam le encantó. Sus trajes tienen más garbo. Son más entallados y están a la última".

Además del color, los tejidos fueron importantes para Ní Mhaoldomhnaigh a la hora de recrear la esencia de Chile en la película. Antes de comenzar la producción, Ní Mhaoldomhnaigh viajó a Santiago durante una semana para recorrer tiendas de telas antiguas, donde encontró tejidos que finalmente se utilizaron para algunas de las camisas de Chris. También visitó mercados locales en busca de joyas y accesorios interesantes.

"Para mí, lo más emocionante fue recrear el Santiago de 1973 y mostrar la marcada diferencia entre esa ciudad y su agitación política, en comparación con la relativa paz y belleza de Rapa Nui", afirma Ní Mhaoldomhnaigh. "Al igual que en Almas en pena de Inisherin, sabía el papel fundamental que desempeñaría el exuberante paisaje en la película. Necesitaba que los colores y los estampados que elegí combinaran y contrastaran con ese paisaje".

Juntos, el diseño de producción y el vestuario ayudan a situar a los personajes en el mundo de la película, desde la formalidad sobria de las oficinas de los servicios de inteligencia hasta las texturas y colores más desenfadados de un paraíso del Pacífico, donde las reglas de ese mundo comienzan a desvanecerse.


The last gunslingers
Banda sonora original
La música lleva mucho tiempo desempeñando un papel esencial a la hora de dar forma al paisaje emocional de las películas de McDonagh y, para Wild Horse Nine, el director volvió a recurrir a su colaborador de toda la vida, el compositor Carter Burwell, nominado a los Premios de la Academia(r).

Burwell llevaba involucrado en el proyecto mucho antes de que empezara el rodaje, ya que recibió los primeros borradores del guion mientras McDonagh seguía puliendo la historia. Aunque sus primeras conversaciones sobre la música rara vez daban lugar a ideas concretas, Burwell intuyó de inmediato que el pulso de la película residiría en su relación central.

"El amor entre los dos protagonistas parecía que iba a ser un elemento importante", recuerda.

"Pero no estaba seguro de cómo expresarlo musicalmente. Eso fue lo más lejos que llegamos, y luego Martin se marchó a rodar".

La dirección musical acabó revelándose una vez que Burwell comenzó a ver cómo la película cobraba forma en la sala de montaje. Tras visitar el rodaje en la Isla de Pascua, viajó más tarde a Londres para ver un primer montaje con McDonagh. Para entonces, una idea había empezado a destacar: un tema construido en torno a la guitarra acústica que tenía una resonancia inesperada.

"Cuando se lo toqué por primera vez a Martin, le dije: "Sé que esto no es lo que habíamos hablado, pero a mí me parece que funciona de verdad"", explica Burwell. "Tiene un toque romántico. Es como un western hollywoodiense de la última época, en el que el Oeste está desapareciendo y una tradición se va perdiendo. No habría imaginado que eso era lo que íbamos a hacer, pero funcionó de verdad".

McDonagh afirma: "Sabiendo desde el primer viaje que los caballos estaban ahí, todas las versiones del guion los incluían. Eso, naturalmente, le da un aire de western. Es como dos viejos pistoleros al final de sus días oscuros. Cuando Carter y yo definimos la película en la fase de montaje, nos adentramos aún más en ese territorio del western. Al final, queríamos un tema que pudiera volverse romántico y épico -como Ennio Morricone en cierto modo-. Carter siempre se rebela contra lo obvio. El gamelán le aporta una influencia casi de cuento popular".

Ese tono elegíaco se convirtió en la base de la banda sonora de la película, reflejando la sensación de que ambos hombres pertenecen a una época que se desvanece. Replanteó a estos dos agentes de la CIA en términos inesperadamente míticos, retratándolos, una vez más, como pistoleros - el mayor y el más joven- que tienen una relación especial que nadie más comprende del todo.

Al mismo tiempo, el escenario de la película sugería otra dimensión musical. La Isla de Pascua, con sus antiguas estatuas moái y sus vastos horizontes oceánicos, transmite una sensación de historia que se extiende mucho más allá de las propias vidas de los personajes.

"La localización siempre es importante", afirma Burwell, "pero en esta película es realmente un personaje principal". Para evocar esa atmósfera atemporal, Burwell incorporó elementos inspirados en tradiciones musicales de todo el Pacífico. La banda sonora combina instrumentos de cuerda andinos, como el charango y el ronroco, con la percusión resonante de los conjuntos de gamelán. Esos sonidos reflejan el contraste que subyace en el corazón de la película: dos hombres que se enfrentan a las consecuencias de sus vidas frente a un paisaje que ha perdurado en silencio durante siglos.

"Crea una sensación de misterio y antigüedad", explica Burwell. "La isla sugiere una escala temporal más amplia y una perspectiva totalmente diferente de los problemas humanos".


Una nueva era para McDonagh
Una constante a lo largo de la filmografía de McDonagh es la sensación de que el lugar es un personaje en sí mismo, algo que McDonagh aprendió ya en Escondidos en Brujas.

"Para Tres anuncios en las afueras, recuerdo que buscamos en un montón de estados una pequeña localidad a la antigua usanza con un único tipo de carretera en la que se pudiera lanzar un cóctel Molotov de un lado al otro", recuerda McDonagh. "Y con Almas en pena de Inisherin, rodamos en Inishmore y luego encontramos la isla de Achill y combinamos ambas. En este caso, la caracterización del lugar fue evolucionando a lo largo de las distintas versiones del guion. Rapa Nui es la masa continental más alejada de cualquier otra en todo el mundo; esa sensación de aislamiento y distancia impregnó la película nada más empezar a rodar".

Otra constante es la forma en que McDonagh colabora con su reparto y su equipo, independientemente del número de veces que haya trabajado con cada miembro.

"El equipo creativo de Martin es muy especial para él", afirma Overland. "Están muy unidos y trabajan en estrecha colaboración. Él trabaja con muchas de las mismas personas todo el tiempo, como Graham, Pete Czernin y Ben Davis. Pero Denis Schnegg era nuevo en el equipo y, aun así, Denis y Ben lograron plasmar a la perfección el estilo de los años 70 junto a Martin".

Muchos aspectos de la obra de McDonagh se plasman en esta película, pero ahora más que nunca, McDonagh ofrece una introspección más profunda sobre el comportamiento humano, los entornos políticos complicados y la culpa persistente de una vida pasada andando de puntillas alrededor de las reglas de Dios. Al reflexionar sobre su larga colaboración con el guionista y director, Broadbent destaca un aspecto que distingue especialmente a Wild Horse Nine dentro de la filmografía de McDonagh.

"Al observar el recorrido emocional de Martin a lo largo de todas las películas que ha realizado, se aprecia que, en los últimos tiempos, se encuentra en un lugar emocionalmente más rico y vulnerable que al principio", afirma Broadbent. "Hay una forma en la que Martin se siente ahora muy a gusto en su película. Wild Horse Nine es muy divertida y entretenida, pero también es muy triste, y él lo plasma de forma maravillosa. No creo que sea el mismo cineasta que hizo Escondidos en Brujas. Es la evolución de un cineasta".


La crítica ha dicho de ella
"Un prodigio de cine" - El Mundo.

"Otra obra memorable que se suma a la singular trayectoria de McDonagh" - The Hollywood Reporter.

"Un guion brillante" - Cadena Ser.

"Ver este thriller cómico, mordaz y trepidante es como redescubrir la mejor película de hace veinte años que, por alguna razón, te perdiste en su momento" - Daily Telegraph.

"Una brillante sátira" - El Diario.