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Across the Universe cartel reducidoAcross the UniverseDirigida por Julie Taymor
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Musical surgido de la imaginación de la conocida escritora y directora Julie Taymor (Frida, Titus, y el gran éxito musical de Broadway "El Rey León") y de los escritores Dick Clement & Ian La Frenais (The Commitments), con una historia original y 33 canciones —incluidas "Hey Jude", "I Am the Walrus", y "All You Need is Love"— que definieron una generación. Taymor dice: "La idea era crear un musical original utilizando sólo las canciones de los Beatles".

Protagonizada por Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, y Joe Anderson. Está dirigida por Julie Taymor. Los productores son Suzanne Todd, Jennifer Todd y Matthew Gross. El guión es de Dick Clement & Ian La Frenais, de una historia de Julie Taymor & Dick Clement & Ian La Frenais. Los productores ejecutivos son Derek Dauchy, Rudd Simmons y Charles Newirth. El director de fotografía es Bruno Delbonnel, A.F.C. El diseñador de producción es Mark Friedberg. El montador es Françoise Bonnot, A.C.E. La coreografía es de Daniel Ezralow. La banda sonora original es de Elliot Goldenthal. Las canciones están producidas por T Bone Burnett, Elliot Goldenthal y Teese Gohl. El diseñador de vestuario es Albert Wolsky. Los coproductores son Richard Barratta y Ben Haber. El casting es de Bernard Telsey, CSA. Está distribuida por Columbia Pictures.

La película incluye cameos de estrellas tan notables como Bono de U2, Salma Hayek, Eddie Izzard y el cantante Joe Cocker.


Investigando los 60
Julie Taymor, la innovadora visionaria detrás de Across the Universe, la nueva película de Revolution Studios, dice que primero concibió una película que, en sus palabras, "investigaría los 60. Tenía que penetrar todos los niveles de las canciones de los Beatles. Desde las canciones de amor hasta las políticas. La música y la película no sólo reflejarían el microcosmos de la experiencia de un personaje, sino que, desde mi perspectiva, también representaría el macrocosmos de los acontecimientos que están sucediendo en el mundo".

Para Taymor, aunque la película está ambientada una generación atrás, todo consistía en hacer la película fresca y viva para el público de hoy. "Realmente quiero que los jóvenes vean la pasión en esta película —para comprobar con qué fervor se sumergían los personajes en los movimientos sociales y en la auto-exploración", dice. "Espero que realmente hable ‘a través del universo’ y a través de las culturas... para que todo el mundo pueda identificarse con las situaciones y los acontecimientos que suceden en esta película".

Según la productora Jennifer Todd, la película es una declaración artística de Taymor. "Además de ser una voz única, Julie es la directora más trabajadora con la que he trabajado", dice. "Es una experiencia increíblemente satisfactoria trabajar con alguien que vive y respira la película mañana, tarde y noche. Un fin de semana, salimos y al volver descubrimos que se había inventado una nueva secuencia. Porque ella es así, atrae a la gente que quiere trabajar tan duro para conseguir su visión".

El productor Matthew Gross, que generó el proyecto, está de acuerdo. "Julie es un tesoro nacional", dice. "Es una auténtica artista —no sólo aporta atractivo visual, sino que tiene el toque justo con los cantantes y los bailarines que era tan necesario para esta película. El trabajo que hizo en Titus y Frida muestra su increíble visión. Además, como todo el mundo quiere trabajar con Julie Taymor —y con razón— es capaz de atraer a los mejores artistas y los talentos más grandes para trabajar con ella. Es un activo tremendo para la película en todos los sentidos".

Al contrario que la mayoría de los musicales, donde primero viene una historia y las canciones se insertan en los puntos clave, en ésta, las canciones crearon la historia. "Empezando por unas 200 canciones escritas por los Beatles, finalmente elegimos 33 que pensamos que contarían mejor la historia de una generación y una época", dice Taymor.

Todd explica, "La película es un musical original y tiene una historia original —una que nunca has visto antes, inspirada en la música de los Beatles de un modo que nunca antes has escuchado".

"Todo el concepto de este musical", explica Taymor, "es que las letras de las canciones contarán la historia. Son el libreto, son las arias, son la emoción de los personajes".

Aunque en los 60 Taymor sólo estaba empezando su adolescencia, la historia se inspiró en las observaciones de su niñez:

"Lucy y Max, el hermano y la hermana, se modelaron ligeramente como mi propio hermano y hermana, y yo soy Julia, la niña pequeña que observa. Durante esa época, yo era una observadora de lo que mis padres estaban pasando con los adolescentes y luego estudiantes universitarios que se introducían en el movimiento político radical: el servicio militar, los hippies, las drogas. Y allí estaba yo —yo no me vi afectada, pero lo observé".

Taymor admiraba el espíritu directo de la época. "La gente realmente asumía riesgos", afirma. "Como dice Lucy: ‘Me tiraría frente a un tanque si eso trajera de vuelta a casa a mi hermano de la guerra’. Y por supuesto Jude responde: ‘Pero no lo haría’, y ella se pone triste y dice: ‘¿Significa eso que no crees que deba intentarlo?’ Me conmueve el hecho de que en esa época, la gente lo intentaba".

Pero, definitivamente, Taymor no concibió el proyecto como una pieza nostálgica. Anota que muchas de las cosas por las que luchaban los jóvenes de los 60 siguen teniendo hoy mucha relevancia. El objetivo de los cineastas era trasladar la pasión y el sentimiento de los 60 y que resonara de un modo que pareciera tan contemporáneo como factible. La razón para hacer una película como ésta, en su mente, era la inmediatez de los temas. "Constantemente tienes que volver a visitar estas historias para que reflejen tu presente, y realmente piensas, ‘¿Qué es tan distinto ahora?’", dice Taymor. "Esa época es explícitamente importante para nuestro tiempo ahora".

Para dar vida a la época, Taymor y los guionistas Dick Clement & Ian Frenais creó una historia completamente nueva, utilizando las canciones para guiar su camino. "Los personajes se crearon para las canciones", continúa Taymor. "Por ejemplo, el personaje Prudence: Me encantó la idea de coger ‘I Want to Hold Your Hand’ y dársela a una inocente animadora de Ohio".

La canción empieza con la joven chica cantando lastimeramente en los laterales de un campo de fútbol. "Nosotros no cambiamos las letras", dice Taymor, "pero a media canción, te das cuenta de que no está enamorada del quarterback —está enamorada de la animadora rubia. De repente, la canción empieza a sonar de un modo completamente distinto, porque trata de amor reprimido. Al final de la canción, esta joven chica, que ni siquiera sabe lo que está sintiendo, abandona su casa. Hace autostop para llegar a Nueva York. Sin tener que llegar al trasfondo del personaje, sin tener que ver a su madre ni a su padre ni la historia de su vida; la canción lo dice todo"

"Mientras seguimos los viajes de los personajes, las canciones surgen", continúa Taymor. "En la historia, Max va a ser reclutado por el Ejército. Busqué entre docenas de canciones hasta que finalmente llegué a ‘I Want You’ y se registró en mi cabeza, ‘Dios mío, "I Want You", ¿no es el lema del Tío Sam?’" Era perfecta.

A medida que la historia empezó a crecer de este modo orgánico, Taymor siguió las canciones hasta donde le llevaron. En muchos casos, las canciones movían a otros personajes y adquirían múltiples significados, y en el caso de "I Want You", empieza con la entrada de Max en el ejército y continúa hacia una escena mucho más erótica entre los personajes de Jo-Jo y Sadie. En algunos casos, las canciones parecían más momentos privados, y al igual que en un aria o una ópera, expresaban pensamientos internos.

En otros casos, como "Revolution", lo directo de las letras les llevó a representar la emoción de la escena con más fuerza de la que el diálogo era capaz. "Cuando Jude canta ‘Revolution’, realmente está entrando en la oficina de Estudiantes por la Reforma Democrática, llegando hasta Lucy y utilizando la emoción de la música y de estas letras para expresarse en lugar de decirlo mediante un diálogo directo", anota Taymor. "Sigue cantando porque se encuentra en un estado superior al habitual; es un estado elevado que va a dejarlo destrozado y tirado al final de la canción. Realmente nos ayuda a encapsular el tiempo, porque la música te ayuda a pasar muy rápidamente por un estado emocional y llegar a otro nivel muy, muy alto y muy dramático".


Sobre el reparto y los cameos
Con los personajes creados a partir del material en crudo de las canciones, los cineastas pusieron un imperativo en encontrar a los mejores actores y cantantes que pudieran para los papeles.

Como resultado, el único miembro del reparto con experiencia en películas importantes es Evan Rachel Wood. Taymor anota, "Es muy joven y realmente nadie la ha visto convertirse en mujer —en esta película se convierte en adulta de pleno derecho, una mujer en serio. Va a ser un gran descubrimiento para la gente. Además, ni siquiera nadie sabía que supiera cantar".

Entre todas las canciones que canta en Across the Universe, la que pareció que supuso un mayor desafío fue "If I Fell". "Nunca había tomado lecciones de canto, y esa canción está en un tono muy, muy alto. También es la canción más emotiva que tengo. Así que tuve que preparar el personaje emocionalmente para ese momento y también aplicarlo en la canción —mientras recordaba lo que tenía que hacer mi voz", dice Wood. "Mientras aprendía la canción e intentaba pensar en cómo cantarla, trajeron a Jim Sturgess a la habitación, así que pude cantársela a él. Nunca la canté mejor —me hizo olvidar lo que estaba haciendo y me liberó".

Wood nota que compartía no sólo una conexión con Sturgess, sino con todo el reparto —y era recíproco. "Julie sabe cómo hacer el reparto de una película", dice, "y sabía que trabajaríamos bien juntos porque todos éramos muy parecidos. Durante la producción, me sentí como si hubiera ganado hermanos y hermanas; todos son tan interesantes y tienen grandes historias vitales".

Se llevaron a cabo castings abiertos en Inglaterra para el papel de Jude. Taymor dijo que con una cinta de Jim Sturgess supo que era él, incluso antes de conocerlo en persona.

Taymor y su colaborador de toda la vida, el compositor Elliot Goldenthal, fueron muy específicos sobre qué tipo de voces querían, explica. No queríamos voces de teatro musical, y no queríamos voces pop. Jim encajaba perfectamente. Jim ha estado en una banda de rock y es actor. Canta con tanta calma que siente que te está cantando a ti. Tiene una hermosa voz —y no hay desconexión entre su voz hablada y su voz cantada. Jim puede pasar directamente de hablar a cantar".

Sturgess dice que tiene suerte de hacer su debut en un gran estudio, con Across the Universe y trabajar con nada menos que un talento como Julie Taymor. "Es brillante", dice. "Es una cabeza con infinitas ideas. Tiene una idea definitiva de lo que quiere ver, pero también deja a los actores espacio para que aporten sus propias ideas —simplemente lo hace todo".

Trabajar con las estrellas que interpretan los cameos en la película también fue una experiencia muy reveladora. "Un día yo estaba sentado por ahí viendo a Bono cantar ‘I am the Walrus’ —así que ya estaba teniendo una buena tarde— y entonces viene y me pregunta si me apetecería ir a su espectáculo el fin de semana. ¿Qué iba a decir? ‘¿Lo siento, tengo otros planes?’ No, me quedé allí y dije: ‘Me encantaría, gracias... Señor Bono’" Otro momento importante para Sturgess fue el día que Bono llegó al escenario y le dijo al joven actor que le gustaba su voz.

Max es americano, pero Taymor no encontró un actor americano que tuviera las cualidades que quería para el papel. Cuando conoció a Joe Anderson, otro británico, lo encontró tan interesante que ni siquiera quiso que hiciera la audición para el papel de Jude: "Cuando fui a Londres hizo una audición para mí, pero dijo, ya sabes, ‘Yo no soy ese personaje —yo soy Max", así que hasta él sabía que su propia personalidad quedaría mejor ahí. Y se parecía a Evan, así que era realmente la mezcla perfecta para interpretar a su hermano".

Para Sadie, Taymor dice: "Conocía a Dana Fuchs y creé el papel para ella. Dana había hecho una demostración para Elliot en otro proyecto y tenía esa voz que no se ha escuchado desde Janis".

Fuchs dice, "Me creí que estaba en una película cuando estaba al teléfono con Julie y ella me decía que había conseguido el papel. No había nadie para que fuera testigo. Estaba alucinada —además de conseguir el papel, saber que lo escribió para mí fue fantástico. Dijo que no había ninguna otra Sadie".

El compañero de Sadie en la película es el personaje de Jo-Jo, que también es músico. "Viene de Detroit, viene de la escuela del soul, y sale con estos jóvenes callejeros y se convierte en parte de la banda de Sadie. Se transforma frente a ti, pasando del pelo liso hacia atrás al salvaje afro". Para interpretar a Jo-Jo, Taymor llamó a Martin Luther McCoy, cantante y guitarrista en Nueva York sin mucha experiencia en la actuación. Taymor dice que resultó ser "un actor fenomenal", además de músico.

T.V. Carpio, que interpreta a Prudence, fue otro descubrimiento. Además de tener una bonita voz para cantar, T.V. es bailarina y ex patinadora sobre hielo. Así que pensé: ‘Bueno, ella será la animadora’, dice Taymor. "Cuando llegas a conocer a los actores, creas más y más para ellos".

El sentimiento era mutuo. Carpio recuerda, "Como Jim me dijo al principio: ‘Estoy desesperado por hacer lo que Julie necesita de nosotros’. Queríamos conseguir que su visión cobrara vida. Cuando nos decía lo que veía nunca era exactamente lo que había escrito en un papel —era algo simplemente de fuera de este mundo... estábamos honrados de formar parte de eso. Ni siquiera nos podíamos creer que este fuera nuestro trabajo".

Wood está de acuerdo. "Julie realmente saca lo mejor de ti", dice. "Puede conseguir que hagas cosas que nunca pensarías que pudieras hacer. Me encanta cómo saca eso de la gente. No puedes estar asustado y no puedes tener ningún miedo. Te lanza a un abismo profundo y de algún modo estás allí y nadas allí, y te das cuenta, ‘No sé cómo pude hacer esto’".

El reparto se redondea con algunos invitados especiales en papeles secundarios. Bono, que estaba en medio de una gira mundial con U2, se las arregló para pasar dos días en el escenario como el "Dr. Robert". Tocaba en el Madison Square Garden por la noche antes de que le llamaran por la mañana. "Julie y yo preparamos juntos el personaje", dice la estrella del rock, activista y actor por primera vez. "Quería que fuera fiel a la época y al periodo de tiempo, así que lo hicimos del tipo Neal Cassady, de la costa oeste". Cassady, por supuesto, fue la inspiración para On the Road, de Jack Kerouac; una figura clave en la contracultura de los 60, también fue escritor independiente y conductor de Furthur, el autobús Merry Pranksters de Ken Kesey. "Estudiamos su película y el modo en que trabajaba y es casi como si quisiera ser una estrella del rock —tiene todos esos movimientos tontos, un montón de confianza en sí mismo y siempre toca para las mujeres que hay en la habitación. Para mi primer papel de cine, pensé que este sería interesante y un poco especial".

Salma Hayek, amiga de Taymor y estrella nominada al Oscar por Frida, interpreta a las sexis enfermeras bailarinas de la canción "Happiness is a Warm Gun". Taymor le preguntó a Hayek si quería interpretar a una enfermera y Hayek dijo que quería interpretar a las cinco —algo que se consiguió con trabajo de cámara con control de movimiento (obligando a Hayek a repetir su número de baile cuidadosamente muchas veces durante dos largos días de rodaje para crear la ilusión de cinco enfermeras pin-up). Eddie Izzard interpreta el papel del director del circo en "Being For the Benefit of Mr. Kite!" y Joe Cocker trabajó durante varias noches para completar sus papeles "Come Together" de vagabundo cantante, chulo y hippie.


Reinterpretando las canciones
Además de tener una historia que estuviera lo suficientemente capeada para hacer justicia a las canciones, el otro elemento clave para la película era la interpretación musical, dice Taymor. "Realmente daba miedo tener el legado de la música de los Beatles sobre nuestros hombros, porque es el Santo Grial", dice. "Es muy importante para mucha gente, y las canciones originales eran perfectas. Sabíamos desde el principio que no queríamos competir con las versiones de los Beatles", dice Taymor. Sentía que la mejor forma de honrar a la banda era dejar que sus canciones fueran el corazón y la estrella de la película, emanando desde los personajes.

Para interpretar la música, Taymor confió en un colaborador de confianza desde hace mucho tiempo, Elliot Goldenthal. "Aunque Elliot es compositor y no hay canciones que componer, sus arreglos y su comprensión del drama y de los personajes son fantásticos. He trabajado con él durante 20 años y tengo total confianza y admiración por su trabajo. Sabía que encontraría una nueva forma de interpretar las canciones; poniéndoles arreglos nuevos, la música volvería a ser fresca —no una versión mejor, sino diferente".

Goldenthal y Taymor también trajeron a un conocido productor musical T Bone Burnett y al productor Teese Gohl, que ha trabajado con Goldenthal como productor musical en más de 20 películas. Goldenthal, Burnett y Gohl colaboraron produciendo la música.

Se analizaron todas las canciones: quién estaría cantando, cuál era el contenido, el sentimiento que la película necesitaba, y el periodo de tiempo. Goldenthal anota: "Todo el mundo conoce muy bien la música de los Beatles, es casi como un fantasma en la habitación. Todas las letras que interpretaron, los rellenos de guitarra específicos, los rellenos de batería —son actuaciones definitivas. Así que el desafío era intentar encontrar una forma honesta —manteniéndose fiel a uno mismo— de alcanzar el núcleo de estas canciones e intentar encontrar otras maneras de apoyar las bonitas palabras y la música".

Para darle autenticidad a la música, el equipo grabó muchas de las canciones utilizando el equipo adecuado de la época, como una cinta analógica y micrófonos antiguos. Gohl recuerda: "Todos estábamos en la misma onda al elegir este acercamiento y en el deseo de evitar los riesgos digitales".

Y sobre trabajar con Goldenthal, Gohl dice, "Elliot es único en cualquier sentido, pero verlo como productor de rock n’ roll también es alucinante".

No era suficiente, por supuesto, sacar simplemente nuevos arreglos para las canciones. Como la letra de las canciones cuenta la historia de la película, era crucial para Taymor que las actuaciones tuvieran inmediatez y relevancia para las escenas que las rodean. Con ese objetivo en mente, los cineastas decidieron hacer la película con toda la música en vivo que fuera posible. Alaba a otro miembro de su equipo, el mezclador de sonido Tod Maitland, por hacer este trabajo.

"Es otro genio", dice Taymor, porque "la mayoría de la película está grabada en sonido real".

Maitland, que ha estado nominado a tres premios de la Academia, había trabajado más recientemente en el musical más tradicional, Los Productores, pero Across the Universe necesitaría una aproximación completamente diferente. Explica por qué fue tan necesario un movimiento tan radical: "En la mayoría de los musicales, el actor habla y luego se pasa a voces cantadas. Para la mayoría de la gente, una voz cantada es una voz completamente distinta —algo que hicieron en un estudio dos o tres meses antes. Te saca de la película. En Across the Universe, queríamos que el entorno siguiera siendo real. Cuando se pasa de hablar a cantar, queríamos que esos momentos fluyeran libremente, para que no hubiera cambios entre distintas calidades de sonido —quieres estar en la escena. Además, como la letra sirve de diálogo para esta película, quieres escuchar un poco del rebote del sonido en las paredes, quieres escuchar a la gente que hay alrededor. No quieres un sonido de estudio demasiado perfecto".

Los actores empezaron el proceso pregrabando sus canciones; esto les daría una idea de cómo irían sus actuaciones y ayudaba en el proceso de montaje. En estas sesiones, cada uno de los actores interpretó las canciones en tres pistas: la primera con un micrófono de estudio, la segundo con un micrófono boom, como el que se usa en el escenario, y la tercera con un micro "lavalier", que también se utiliza en el escenario.

Durante el rodaje, el escenario tendría que estar extremadamente en silencio para grabar una actuación vocal en vivo. Los actores fueron dotados con una pequeña pieza auditiva llamada "pinganillo", que les permite cantar junto a su actuación pregrabada. La pista pregrabada les daba a los actores una guía que seguir y permitía cierta libertad en el montaje de sonido, según Maitland. "Si un actor gira la cabeza y se sale del micro, podemos colocar una voz pregrabada y cubrir eso. O si hay algo de ruido en una toma que a los cineastas les hubiera encantado, podíamos utilizar una voz pregrabada". Sin embargo, enfatiza, eso ocurrió sólo en casos excepcionales. "El diseño de toda la película trata de utilizar voces en vivo siempre que es posible".

El, de alguna manera, complicado proceso fue simplificado por el cinematógrafo Bruno Delbonnel y su diseñador de iluminación, John DeBlau, que consultaron con el departamento de sonido a la hora de colocar sus luces para poder poner el micrófono boom lo más cerca que fuera posible de la cabeza del actor". Para conseguir un resultado óptimo, el micro tenía que estar a sólo 30 o 40 centímetros del actor, la misma distancia que se utilizó en las sesiones pregrabadas.


Sobre la coreografía
Al igual que la música de Across the Universe sería una reinvención radical de las conocidas canciones, la película también necesitaba que la coreografía tuviera un aspecto único. La película tenía que ser una fiesta para los ojos y para los oídos.

"No quería que esto fuera un musical de ‘baile’", dice Taymor. Aunque hay bastante baile en la película, "hablamos mucho sobre utilizar como vocabulario movimientos de todos los días". Para dar vida a su visión, Taymor llamó a Daniel Ezralow, coreógrafo con el que ha colaborado en varios trabajos.

"Danny está a caballo entre el mundo del baile teatral moderno y del pop, y del circo, y las acrobacias, y los movimientos de todos los días", dice. "Si miras por ejemplo ‘With a Little Help from My Friends’, la coreografía es gente deslizándose sobre pasamanos, saltando y cayendo en sofás. Si te fijas en ‘Come Together’, ves a la gente en la calle caminando al unísono con maletines. Algunas escenas son más ‘bailarinas’ que otras, pero las piezas parece que surgen de forma orgánica de un bello movimiento natural".

"Desde el principio, quería que Across the Universe fuera totalmente natural y distinta a cualquier otro musical", dice Ezralow. "Lo dije alto y claro, y luego estaba obligado. ¡Había testigos!"

La idea de Ezralow era que la película tomara ejemplo del modo en que nos movemos por el mundo ahora. "Todo el mundo va con sus iPods —cierran el mundo", dice. "Lo que haces, el modo en que miras a otra gente, es como estar en una película. Es una experiencia alterada. Todos los días, cuando cogía el metro de camino al rodaje, escuchaba las canciones de Across the Universe y me imaginaba el movimiento".

Julie nos anima a ver las cosas de un modo distinto", dice Ezralow. "Cuando eres extranjero en un país, a veces consigues una mejor percepción de lo que representa el país que alguien que ha vivido allí toda la vida, porque lo ves con ojos frescos. Así que es un pequeño juego que hago —intento ser un extranjero para el baile todo el tiempo".

Por supuesto, la película presenta un par de secuencias de baile más tradicionales. Para éstas, Ezralow contrató a algunos de los mejores bailarines de Broadway y del mundo para cubrir más de 350 papeles de baile. A menudo, el proceso de casting resultaba difícil porque muchos de estos bailarines estaban apareciendo en espectáculos todas las noches. Para la secuencia del "centro de reclutamiento", ambientada con la canción "I Want You", los bailarines que interpretaban a los "sargentos" tenían que llegar a las 3.30 de la mañana para empezar los complicados procesos de maquillaje y prostética —y muchos habían estado bailando en un escenario de Broadway hasta las 11 la noche anterior.

"Mark Friedberg, el diseñador de producción, Julie y yo nos sentamos juntos y hablamos sobre la secuencia del principio", recuerda Ezralow. "Fue un día maravilloso con un torbellino de improvisación. Todo el mundo contribuyó con algo —Julie, el concepto; yo, el baile; Mark, el diseño. La secuencia termina siendo surrealista y artísticamente atrevida, pero también poderosa y conmovedora".

"Come Together" representa lo otro realmente destacado de la coreografía de la película. En un momento dado 140 personas se mueven al unísono por Manhattan; en otro momento durante la canción, los cineastas visionaron un aparato al estilo Rube Goldberg fijado para la canción. Ezralow dice que la canción es "un punto intermedio en la película; definimos lo que es la ciudad de Nueva York en los 60 segundos que dura".