Actores: Mara Bestelli, Marcelo Subiotto, Anika Bootz, Betania Cappato.


Entrevista con Ivan Fund
Realizada por Cédric Succivalli, crítico de cine, comisario y programador, presidente de la International Cinephile Society y programador de las Giornate degli Autori.

CS – En esencia, El mensaje es una historia de iniciación o de paso a la madurez, aunque no siempre sigue las convenciones habituales del género. ¿Qué te inspiró a realizar una exploración tan subversiva de la infancia?

IF – Quería contar una historia sobre ese momento particular del crecimiento de un niño en el que este se fortalece y decide que puede ofrecer consuelo y enseñar algo a los adultos que lo rodean, que tiene la voluntad de sanar algo. Ese momento en el que, siendo niño, te das cuenta de que formas parte de algo y, en ese proceso, adquieres una voz propia.

En cierto modo, también es la historia de iniciación de toda la familia: una familia que afronta, a través de un amor plenamente presente y afectuoso, y de la mejor manera que puede, sus propias dificultades de comunicación, su pasado y sus limitaciones.

CS – ¿Hubo alguna película u otra obra artística que tuvieras presente durante la creación de esta película, ya fuera desde el punto de vista narrativo o estético?

IF – No trabajo a partir de referencias; no sabría cómo acercarme al material si intentara que se pareciera o imitara algo. En lo que sí confío es en el espíritu de los maestros y artistas que admiro, desde John Cassavetes hasta Tsai Ming-liang, y desde Wenders hasta Spielberg y el cine clásico. Así que, aunque no tuvieran una conexión directa con el material de la película, volvía a ver algunas de mis películas favoritas o retomaba cierta música o fotografías. Es como estar cerca de la cocina de un gran chef: inevitablemente acabas impregnado del olor de lo que se está cocinando. Algunas de esas influencias solo las reconoces cuando la película está terminada y la ves, y piensas: «Ah, esto lo robé de aquí y aquello de allá».

Durante la producción de El mensaje, la obra del fotógrafo francés Bernard Plossu estuvo muy presente para mí; no solo sus imágenes, sino también su ética de trabajo, con la que me siento muy identificado. Él sostiene que la fotografía trata sobre esos momentos que parecen no tener importancia pero que, al final, se revelan esenciales: momentos surgidos de la nada.

CS – Al contar esta historia, ¿hasta qué punto te inspiraste, tanto visual como narrativamente, en la larga y vibrante tradición del realismo mágico que siempre ha estado presente en la literatura y el cine sudamericanos?

IF – El mensaje es una representación realista de un mundo fantástico. O quizá sea al revés. Creo que, en los últimos años, el cine argentino contemporáneo puede definirse por una forma de comprender y relacionarse con cierto estado indeterminado de la imagen; una manera de no intentar que la ficción parezca real, sino de utilizar la riqueza y la textura de la realidad como una herramienta impulsada por la ficción para celebrar, por un lado, los milagros sutiles de este mundo y, por otro, expandir la narrativa.

CS – Como cuento popular y road movie a la vez, la película oscila entre distintos lugares, atravesando espacios tanto rurales como urbanos. ¿Qué inspiración extraes de los diversos escenarios que sirven de marco a los acontecimientos de esta historia?

IF – Rodamos la película en Entre Ríos, donde crecí y donde he filmado casi todas mis películas anteriores. Lo que encuentro interesante de esa región es que está llena de caminos polvorientos y pequeños pueblos agrícolas — los paisajes de mi infancia— y solo durante el rodaje de esta película me di cuenta de cuánto se parecen a las imágenes de aquellas películas clásicas estadounidenses con las que crecimos.

En cierto modo, quería que la historia transcurriera en una especie de «tierra de cine». Así como Peter Bogdanovich situó Paper Moon durante la Gran Depresión estadounidense, El mensaje refleja la realidad actual de Argentina: la crisis económica y social que afecta a los centros urbanos y sus repercusiones en los pequeños pueblos y las zonas rurales periféricas.

IF – Prefiero no detenerme demasiado en la triste y absurda realidad que enfrentan hoy los argentinos. Mientras respondo a tu pregunta, y ahora que nuestra película —imaginada hace años— ya está terminada, nos encontramos con un presidente que busca el consejo de su perro muerto para tomar decisiones destinadas a erradicar la cultura y vender nuestro país. Y lo cierto es que todos sabemos que eso es una tontería, porque los perros son de las criaturas más perfectas y amorosas que existen, y ningún perro, vivo o muerto, podría decir algo así ni estar de acuerdo con ello.

Quizá ahora, como siempre —o más que nunca—, la ficción no sea lo opuesto a la realidad, sino un camino para comprender el mundo y sus contradicciones, acercándonos a la verdad. Bajo esta perspectiva, tal vez la fantasía se haya convertido en el nuevo realismo.

CS – La película está sostenida por una hermosa interpretación de Anika Bootz. ¿Cómo lograste obtener una actuación tan profunda y compleja de una actriz tan joven, especialmente teniendo en cuenta que comparte escena con intérpretes mucho más experimentados?

IF – Anika es un regalo. Es una persona muy inteligente y sensible, completamente comprometida y generosa con el trabajo; además, es una cinéfila. Todo fue más fácil porque ya conocía muy bien a Marcelo y a Mara, y Betania, que interpreta a su madre en la película, es también su madre en la vida real. Así que ese hermoso vínculo ya existía, y fue precisamente ese vínculo el que llevamos a la película.

IF – Teníamos un equipo muy pequeño, de apenas siete personas en total, por lo que el rodaje fue muy íntimo. Una parte importante de todo el proceso consistió en mantener la misma concentración y flexibilidad tanto delante como detrás de la cámara. No había un «¡acción!» o un «¡corten!» estrictos; todo el reparto y el equipo estaban siempre preparados y atentos a cualquier posible cambio de rumbo o improvisación que pudiera resultar prometedora. Es una forma de trabajar que favorece el descubrimiento en lugar de imponer rígidamente una escena.

Tengo un ritmo de trabajo muy relajado. Durante el rodaje edito cada noche y no filmamos por las mañanas. Utilizamos ese tiempo para ver las escenas de los días anteriores y conversar sobre ellas, además de planificar lo que viene después; a Anika y al resto del equipo les encantaba esa dinámica. También rodamos algunas escenas con dos cámaras, lo que ayudaba a mantener la atención en lo que estaba ocurriendo en la escena en todo momento.

CS – Después de dirigir Vendrán lluvias suaves (There Will Come Soft Rains) y Dusk Stone, y de coescribir La mujer hormiga (The Ant Woman), esta es la cuarta vez que abordas el tema de la espiritualidad y lo sobrenatural en la relación entre animales y seres humanos. ¿Qué es lo que te impulsa hacia este tipo de historias?

IF – Creo que tiene que ver con una exploración de la infancia o, por el contrario, con el hecho de hacerse mayor y darse cuenta de que existe una forma de relacionarse con el mundo y con la realidad que carece del asombro y de las posibilidades mágicas que los niños —y también el cine— habitan de manera natural.

CS – A menudo se dice que nunca hay que trabajar con niños ni con animales, y sin embargo tú lograste hacer ambas cosas en esta película. Gran parte del filme gira en torno a captar a estos animales, que se convierten en personajes fascinantes y expresivos por derecho propio. ¿Qué te llevó a centrarte tan de cerca en estos actores poco convencionales?

IF – ¡Yo elegiría trabajar con niños y animales cualquier día! Los niños son muy libres; son un atajo hacia la ficción porque ven la magia del mundo. Los animales también son un milagro de presencia. Para mí, el cine es, ante todo, un acto de presencia, y tanto los niños como los animales encarnan esa cualidad con pureza y en completa armonía con el mundo.

El mensaje examina nuestra percepción de los animales y el misterio que encarnan en una relación cada vez más distante con la naturaleza. Hoy en día, los animales son casi entidades fantásticas, y la película propone un encuentro con su presencia emocional y capaz de despertar asombro.

CS – Hay dos encuentros con animales que destacan especialmente: un carpincho y un caballo. Ambos forman parte del folclore sudamericano y representan diversos significados. ¿Cuál era la importancia simbólica de incorporar a estos animales en una narración que, en muchos sentidos, también se siente como un cuento popular contemporáneo?

IF – Me gustaba la idea de un cuento popular contemporáneo en el que los animales reflexionaran sobre cuestiones existenciales; creo que, en particular, esa secuencia con el carpincho es el momento en el que vislumbramos esa conexión espiritual con animales que, a primera vista, no son «mascotas». Quería incluir un momento en el que nosotros, como espectadores, pudiéramos permitirnos creer que realmente existe una conexión de un orden superior que los une a todos, aunque sea de una naturaleza completamente distinta a aquello que están encarnando. Algo así como un acto de fe, al estilo de una película de Rossellini.

CS – La música tiene una gran importancia a lo largo de la película, incluida la presencia recurrente de Always On My Mind de los Pet Shop Boys. ¿Qué papel desempeñó la selección musical en el desarrollo de la película y en la representación de los viajes, tanto metafísicos como literales, de los personajes?

IF – El proceso de composición de la música se llevó a cabo durante el rodaje. Mauro Mourelos, el compositor y un músico de jazz extraordinario, me enviaba cada noche un puñado de pistas e improvisaciones. Yo las probaba, montaba escenas sobre ellas, le daba mi opinión y, a la noche siguiente, llegaban nuevas composiciones. Fue un proceso fundamental para encontrar el tono y la textura de la película.

Sí sabía de antemano que quería que toda la banda sonora estuviera construida en torno a melodías de fliscorno (flugelhorn) y trompeta; en realidad, a partir de «monodías».

IF - Always On My Mind fue un hermoso descubrimiento gracias a la furgoneta que habíamos alquilado, la misma que aparece en la película. Un día, entre toma y toma, Anika pulsó el botón de reproducción del equipo de sonido de la furgoneta y, de repente, empezaron a sonar los Pet Shop Boys (una coincidencia divertida, dadas las ideas que atraviesan nuestra película). Anika comenzó a bailar al volante, así que rápidamente cogí la cámara y filmé la escena.

Me di cuenta enseguida de que aquello debía estar en la película como su «canción de consuelo»; quizá el único CD que tenían a mano o una canción a la que ella volvía constantemente, reproduciéndola una y otra vez durante los viajes en la furgoneta. Después, nuestros coproductores españoles hicieron un milagro al conseguir los derechos de la canción.

CS – Más allá del tema de la comunicación y de las barreras que se interponen en nuestro camino, ¿qué mensaje o reflexión te gustaría que el público se llevara de esta película tan singular?

IF – Si te sientes solo, ve al cine y descubrirás que no lo estás.


Biografía del director
Iván Fund nació en San Cristóbal, Argentina, en 1984. Sus películas se han proyectado en festivales como Cannes (Un Certain Regard), Venecia, Berlín, San Sebastián, Róterdam, Viennale, BFI London, Busan, BAFICI, La Habana, Neighboring Scenes at Lincoln Center, Lima y Mar del Plata, entre otros, obteniendo diversos premios. Además de dirigir sus propios proyectos, trabaja como guionista, productor, director de fotografía y montador. Su última película, El mensaje, participó en WIP Latam 2024 del Festival de San Sebastián y se estrenará en la Competición Oficial de la Berlinale 2025.

Filmografía
· 2025 - THE MESSAGE(ELMENSAJE) feature film, fiction / Berlinale Competition 2025
· 2021 - DUSK STONE (PIEDRA NOCHE) feature film, fiction / Venice Days 2021
· 2018 - THERE WILL COME SOFT RAINS (VENDRÁN LLUVIAS SUAVES) feature film, fiction / Mar Del Plata 2018, Special Jury Prize
· 2017 - TOUBLANCfeature film, fiction / BAFICI 2017
· 2015 - THE ORGANISM (EL ORGANISMO) Medium-length film, documentary / Mar Del Plata 2015
· 2014 - THE AMAZEMENT (EL ASOMBRO) feature film, documentary / Mar del Plata 2014
· 2013 - AB feature film, documentary / BAFICI 2013
· 2012 - I GOT LOST A WEEK AGO (ME PERDÍ HACE UNA SEMANA) feature film, fiction / Mar Del Plata 2012
· 2011 - TODAY I FELT NO FEAR (HOY NO TUVE MIEDO) feature film, fiction / BAFICI 2011 Best Photography
· 2010 - THE LIPS (LOS LABIOS)feature film, fiction Cannes Un Certain Regard 2010, Best Actress
· 2009 - THE LAUGH (LA RISA) feature film, fiction / BAFICI Competition 2009


Festivales y premios
- Festival de Berlín 2025 – Ganadora del Oso de Plata Premio del Jurado
- Festival de San Sebastián 2025 – Horizontes Latinos